La importancia de fotografiar en color

No podríamos hablar de fotografía en Blanco y Negro Digital sin la fotografía en color. Con el uso de sensores digitales como elemento fotocaptor la importancia de capturar la máxima tonalidad de colores en una imagen es vital para su posterior conversión a blanco y negro, pues son los colores los que nos van a permitir poder experimentar y aplicar nuestra creatividad a la escena mediante el control del tono, el contraste y otras herramientas que vestirán nuestra imagen de una elegante gama de grises, luces y sombras.

Para entender esto, nos es tan fácil como capturar una imagen en color y otra en monocromo con nuestra propia cámara (mediante el uso de los modos de color) y compararlas en cualquier programa de edición que muestre un histograma de la fotografía como Photoshop o Lightroom. Mientras que la colorista escena ha capturado la información en tres canales de color: Rojo, Verde y Azúl (Red, Green, Blue o el famoso RGB) la escena monocroma solo muestra información en el canal Gris mientras que no posee canal de color alguno. Esta es la gran ventaja de tomar las fotografías en color: La gran cantidad de información que tenemos a nuestra disposición para analizar y experimentar con la imagen en busca del blanco y negro perfecto.

Métodos de conversión a Blanco y Negro

Si bien existen ciertos programas alternativos y plugins específicos la mayoría de las técnicas desarrolladas para obtener imágenes en blanco y negro son a través de acciones del programa Photoshop. Muchas de ellas no requieren de grandes conocimientos del programa y pueden utilizarse para obtener grandes resultados con relativa facilidad. Veamos tres de las más básicas:

Comando Desaturar

Esta herramienta de Photoshop se situa dentro del menú Imagen -> Ajustes -> Desaturar y su función es la supresión del color de cada uno de los tres canales RGB de la imagen. Aunque el resultado es rápido y fácil de conseguir con un solo click la mayoría de las veces obtendremos imágenes “planas” carentes de personalidad. Además este método no ofrece ningún tipo de control sobre la conversión a blanco y negro por lo que carece de posibilidades.

Convertir a escala de grises

Lo podemos encontrar en el menú Imagen -> Modo -> Escala de grises. Cuando Photoshop nos pregunte si queremos eliminar los canales de color aceptamos y ya tenemos lista nuestra imagen en blanco y negro. La diferencia con el comando Desaturar es que mediante este método el programa de prioridad a los canales verde (59%) y rojo (30%) en detrimento del azúl (11%). Esta proporción da resultados más naturales, con buenos tonos de piel y nos da una buena idea de la relación que existe entre los tres canales de color.

Elegir un canal

Photoshop nos da la posibilidad de examinar cada uno de los canales de color de la imagen en escala de grises. Para hacer esto nos es tan fácil como acceder a la Paleta de Canales y hacer click en cada uno de ellos para ver el resultado en pantalla tal y como se muestra en la imagen. Una vez seleccionado un canal ejecutamos la acción Imagen -> Modo -> Escala de grises y descartamos el resto de canales. La inspección de cada canal por separado es un excelente ejercicio para comprender como funcionan los canales e interactuan entre si. Los canales de color, en la práctica funcionan como filtros de color en la fotografía tradicional, dejando pasar más cantidad de luz para los objetos de color similar. Por tanto, el canal rojo registrará muy poca información del color azúl mostrando cielos oscuros y contrastados tal y como podemos ver en la siguiente imagen.

Llegamos al final del primer capítulo de esta serie de tutoriales para obtener fotografías en blanco y negro. A lo largo de las siguientes entregas os mostraremos como existen multitud de técnicas para obtener y procesar fotografías en monocromo comenzando por las herramientas más populares de Photoshop como el Mezclador de Canales o la más reciente Blanco y Negro.  También os enseñaremos que hay vida más allá del espacio RGB para la conversión a blanco y negro, como son el modo CMYK y el modo Lab, en el cual exploraremos el concepto de Canal de Luminosidad y su utilidad en la fotografía digital. No os lo perdáis!

La fotografía que encabeza este post la hemos encontrado en Noctambulos.org, una comunidad on line especializada en fotografía nocturna. Creada en el año 2007 por un grupo de fotógrafos de Alicante, actualmente agrupa a más de 2.000 usuarios interesados en esta especialidad que hace tiempo abordamos en Pixelicia. Joaquín Alfaro, uno de los fundadores, nos cuenta algunas claves técnicas y el camino recorrido en cinco años por Noctámbulos.

De entrada, Joaquín nos explica que la fotografía nocturna es aquella en la que “se toman imágenes que requieren largos tiempos de exposición y requieren un equipo específico y mucha paciencia”. No siempre hay que tomar las imágenes en plena noche, basta con que las bajas condiciones de luz obliguen a utilizar tiempos de exposición largos, “de dos, cuatro, ocho minutos o más”. El resultado son escenas con colores diferentes, detalles imprevisibles y ambientes muchas veces irreales.

¿Cómo nace la comunidad Noctámbulos?

Noctámbulos nace un poco por la casualidad y fruto de varias salidas fotográficas de un grupo de personas. La necesidad de tener un punto de reunión virtual dan lugar a la web y más tarde a un foro, portal y galería fotográfica que ha ido evolucionando hasta lo que hoy tenemos. La junta directiva está localizada en la provincia de Alicante pero el foro agrupa usuarios de toda España y parte de Latinoamérica.

¿Cómo evolucionó vuestra actividad on line?

Al principio hacíamos salidas en grupo, quedadas nocturnas sin más pretensiones. En un principio la web se constituye como un espacio privado, solo había una pequeña galería fotográfica y una pequeña bio que aportaba algo de información de lo que nos gustaba y de lo que hacíamos. Con el tiempo evolucionó a lo que ahora mismo tenemos: un portal, un foro y una galería fotográfica con más de 2.000 usuarios. El foro está dividido en varios apartados todos relacionados con la fotografía de larga exposición: fotografía nocturna, lightpainting, crepuscular y recientemente astrofotografía.

¿Qué equipos y experiencia exige esta especialidad?
El equipo mínimo recomendado podría ser: cámara réflex, objetivo angular, trípode, disparador y linterna de cabeza. Con tan poquito podremos hacer fotografía nocturna. La experiencia es un grado como en cualquier disciplina y además de trabajar en condiciones de poca iluminación hay una serie de dificultades añadidas que en fotografía “diurna” no tenemos. Encuadrar, enfocar y calcular la exposición… varían ligeramente.

¿La tecnología digital ha facilitado vuestra práctica?
Mucho. Nos permite visualizar y decidir nuestro encuadre hasta corregir y modificar in situ la iluminación que hemos aportado a nuestra escena.

¿Existen muchos sitios en la red dedicados a la fotografía? ¿Qué aportan?

Existen muchos foros y comunidades fotográficas pero pocos están tan especializados en una temática concreta. Noctámbulos apostó en su día por la fotografía nocturna de larga exposición y quizá ahí esté la diferencia.

¿Qué herramientas complementan vuestro site actual?

Las redes sociales hoy en día tienen un papel muy importante para llegar a muchas más personas. Aparte de nuestro portal, foro y galería, Noctámbulos cuenta con un rincón en flickr, twitter, un grupo de facebook y una cuenta en vimeo donde vamos colgando apariciones en prensa y TV.

La página web actual es un punto de encuentro e información para cualquier miembro de la comunidad y el contacto on line ha permitido organizar algunas actividades off line: salidas de campo guiadas, charlas divulgativas y exposiciones fotográficas. En este apartado, el colectivo ofrece dos formatos distintos: Noctámbulos Itinerantes, una muestra pensada para acercar al público el mundo de la fotografía nocturna con imágenes de gran formato (60 x 90 cm) y Noctámbulos: fotografía nocturna, destinada a pequeños espacios con una selección más pequeña y manejable.

¿Notáis interés y sorpresa en los visitantes de vuestras exposiciones?
Quizá la fotografía nocturna tenga algo de mágico, de irreal que a muchos de nuestros visitantes sorprenda y enganche. La sorpresa, el qué saldrá en nuestro visor… hacen el resto. Cada vez hay más interesados, incluso medios de comunicación… que quieren ver y conocer de cerca esta disciplina.

Si aún no ha pasado por tu ciudad, tal vez conozcas un espacio cultural, café o galería que pueda acogerla. En cualquier caso, la galería on line de la comunidad es un espacio vivo que ofrece cada día nuevas imágenes tomadas por este grupo de “fotógrafos de la noche”.

Tras exponer con anterioridad las complejidades del balance de blancos en Pixelicia hemos decidido hablar de dos variables esenciales que, en combinación con la sensibilidad ISO conforman la exposición en la fotografía. Se tratan de la abertura de diafragma y la velocidad de obturación, elementos que están estrechamente relacionados entre si.

Si bien estos parámetros tienen repercusión directa en el aspecto y toma de nuestras imágenes en este pequeño artículo vamos a centrarnos en su definición y funcionalidades básicas.

Diafragma y el valor de abertura (número f)

Se encuentra situado dentro del objetivo, y es un conjunto de aspas que conforman el orificio por donde entra la luz, las cuales se cierran o abren para dejar entrar mayor o menor cantidad de esta. Una buena curiosidad a tener en cuenta sobre el diafragma es que solo en la máxima abertura que nos permita la óptica las aspas tendrán una forma “circular” completa consiguiendo con ello un desenfoque más suave, cualquier abertura por debajo de esta tendrá una forma geométrica (variable según el número de aspas) más acusada. Este efecto puede apreciarse claramente en nuestras imágenes cuando obtenemos destellos como, por ejemplo, al no usar el parasol. Solo a máxima abertura los destellos serán completamente circulares.

Las diferentes aberturas de un diafragma en relación con la longitud del objetivo se conocen como números f. Este número siempre viene representado en los barriletes de las ópticas con la simbología 1:XX siendo XX el valor máximo de abertura de la lente. Los objetivos zoom poseen dos numeraciones distintas para su abertura en extremo angular y tele y se representa de la siguiente forma: 1:XX-XX. Al contrario de lo que pueda parecer, un número f más bajo (f2) significa una abertura de diafragma mayor mientras que en un número f alto (f16) la abertura es mínima tal y como podemos apreciar en la imagen.

Modificando la abertura del diafragma del objetivo a través del modo de prioridad de abertura (modo A o Av) o manual de nuestra cámara regulamos el paso de luz hacia el obturador, permitiendo así llegar más o menos luz hacia el sensor (o película) para la formación de la imagen. Este paso de más o menos luz repercutirá de forma directa en la velocidad de obturación y en la profundidad de campo obtenida, pero de este último punto hablaremos con más detalle en un futuro próximo.

Velocidad de obturación

Podríamos decir, sencillamente que es la velocidad a que se abre y cierra el obturador de nuestra cámara. El obturador es un elemento situado enfrente del sensor. En la mayoría de modelos se trata de un diseño de plano focal compuesto por dos cortinillas, una de apertura y otra de cierre las cuales se mueven en la misma dirección. Su funcionamiento es muy simple, la primera cortina “se abre” dejando pasar la luz y transcurrido el tiempo seleccionado mediante la velocidad de obturación la segunda cortina “se cierra” tras ella impidiendo el paso de más luz hacia el elemento fotocaptor. Obviamente, a mayor tiempo abierto más luz impacta contra el sensor, a menor velocidad, la cantidad de luz disminuye.

Al igual que con el valor de abertura, la cámara nos permite el control de la velocidad de obturación operando en modo Manual o en Prioridad a la Velocidad (S o Tv). Para ello, las velocidades se muestran expresadas en fracciones de segundo: 1/2, 1/4, 1/8, 1/100, 1/1000, etc. Velocidades superiores al segundo suelen mostrarse con una “comilla” u otra señal según el fabricante. A modo práctico podemos decir que con una velocidad de una 1/60 podemos “congelar” una persona en un retrato mientras que con un valor de 1/2000 podríamos parar la imagen de un bólido de fórmula 1. Una rápida mirada a la tabla adjunta os dará una buena idea de las velocidades disponibles en una cámara.

Hemos de tener en cuenta que el movimiento involuntario a velocidades bajas puede arruinar nuestra foto. Además a mayor longitud focal, más peligro de temblores y vibraciones no deseadas. Si no disponemos de un trípode para evitarlas tendremos que tener el cuidado de seleccionar siempre una velocidad de obturación por encima de la longitud focal que estemos utilizando. (1/distancia focal) Por ejemplo, si utilizamos un objetivo de 50mm, no es recomendable arriesgarse por debajo de 1/60.

Relación entre la abertura y la velocidad

Dada una sensibilidad ISO determinada, no solo existe una relación de velocidad de obturación y valor de abertura (número f) “correcta” para obtener la mejor exposición sino que es, para entendernos, la suma de ambas partes. Una forma fácil de comprobarlo es configurar la cámara en modo de Prioridad a la Abertura o Velocidad y ver como al cambiar una de estas variables la cámara reacciona ajustando el parámetro contrario para obtener una exposición idéntica. No importa la combinación, si siempre fotografíamos la misma escena obtendremos una y otra vez el mismo resultado pues la cantidad de luz que entra en la cámara siempre es la misma.

Pasos

Muchas veces se habla de los pasos y de valores EV. ¿qué son exactamente? En fotografía, es la diferencia en la exposición del doble o la mitad de luz. Si se hace referencia a un paso de abertura es la diferencia de abrir o cerrar el diafragma de modo que entre el doble o la mitad de luz. Cuando hablamos de pasos en velocidad de obturación es la diferencia de exponer el doble o la mitad de tiempo. Por tanto, podemos entenderlos como “saltos” en los cuales se dobla el valor de exposición o se reduce a la mitad. Muchas cámaras permiten operar en medios pasos (1/2 EV) o incluso tercios (1/3 EV) para un control más fino de la exposición en nuestras imágenes.

¿Pero de qué se trata exactamente? Esta herramienta presente en todas las cámaras digitales tiene como objetivo que la luces, sombras y colores se presenten con un aspecto natural, libre de dominantes de color que distorsionen los blancos y negros de la imagen.

Entendiendo la temperatura de color

Antes de profundizar en el control y fijación del balance de blancos (también White Balance o WB) debemos entender el efecto que tiene en nuestras fotografías. ¿Es lo mismo fotografiar un día nublado que en un atardecer de un día despejado? ¿Y en un interior que por la noche?

No, hay diferencias. Esa diferencia que notas es la temperatura de color. Este es el método usado para cuantificar el color de la luz. Se expresa en Kelvins (K), que no en “grados Kelvin”. Por ejemplo, la luz del día tiene alrededor de 6.500 Kelvins (6.500K). Cuanto más cálida sea la luz (amarillo-rojo) más baja será la temperatura de color y cuanto más fría (azul), más alta la temperatura de color.

La luz cálida tiene una temperatura de color baja, este es el caso del atardecer, que tiene alrededor de unos 4.000K.  La luz fría tiene una temperatura de color más alta. Las noches con luz azulada tienen alrededor de 7.500K. La temperatura de color de la luz afecta mucho a los colores de la escena por lo que cuando se hacen fotografías se ha de tener especial énfasis en la selección del balance de blancos en nuestra cámara para obtener un resultado óptimo.

Percepción humana de la temperatura de color

Nuestro cerebro no recibe la información de luz que envía el ojo de manera pasiva, sino que la interpreta. De hecho, lo que los humanos percibimos, es una señal que nuestro cerebro ya ha interpretado por lo que, en ocasiones, no se corresponde exactamente con lo visto directamente por el ojo, es decir, la realidad.

El cerebro tiende a ver toda la luz igual, siempre en busca del blanco más puro. De otra forma, la cámara no engaña y nos muestra la realidad de luz que se encuentra en la escena. Por tanto, es el fotógrafo quien debe decidir cual es el mejor balance de blancos para la fotografía.

¿Cuándo hacer balance de blancos?

A lo largo del día la temperatura de la luz cambia constantemente, no es lo mismo luz de tungsteno que de fluorescentes, ni la luz de primera hora de la mañana que la del anochecer. No existe un “balance de blancos perfecto” aunque si que hay ocasiones más propicias para hacerlo de forma correcta. Tengámoslo en cuenta como una herramienta interpretativa de la escena que como un paso obligatorio para hacer la fotografía.

No tiene sentido equilibrar una puesta de Sol pues lo que queremos precisamente es captar todos los tonos cálidos de la misma, de otra forma, si queremos evitar las dominantes de color verdes o magentas bajo las luces fluorescentes para representar unos tonos de piel más naturales si que deberemos calibrar la cámara para obtener un buen resultado. No se trata de hacer siempre “lo correcto” sino entender el comportamiento de la luz en la escena e interpretarla a nuestro favor.

Balance de blancos automático y presets

Todas las cámaras digitales pueden hacer el balance de blancos de forma automática  (AWB) y manual (CWB) o se pueden configurar de diversas formas para adecuarse a las diferentes situaciones de iluminación.

Estos son los más comunes:

Luz Día: Para los objetos iluminados con la luz solar.

Nuboso: Perfecto para emplearlo con luz de día y cielo nublado o tapado.

Sombra: Se usa con luz de día y sujetos en sombra, como por ejemplo, un contraluz.

Tungsteno o Incandescente: El balance de blancos se ajusta asumiendo que se encuentra en un espacio iluminado por luz incandescente (bombillas).

Fluorescente: Para usar con lámparas de vapor de sodio, mercurio….

Flash: Se utiliza cuando disparamos con flash. Ya sea el integrado o uno externo.

Ajuste manual o personalizado

La gran mayoría de cámaras digitales ofrecen la posibilidad de establecer el balance de blancos de forma personalizada (CWB C de Custom) mediante la lectura de una “zona blanca”. El método es bastante simple: Se selecciona CWB y se encuadra un objeto de color blanco y se pulsa el disparador o botón preasignado (esto varía mucho según la cámara).

La ganancia de los tres canales de color (RGB) se ajusta automáticamente para dar el mismo nivel bajo las mismas circunstancias de iluminación consiguiendo de esta forma una aproximación muy exacta en la interpretación de los colores de la escena, con blancos puros y tonos naturales. Para ello podemos servirnos de un papel, cartulina de grises o simplemente buscando una pared o un objeto blanco al que podamos encuadrar completamente.

Por supuesto existen diversas formas de corregir las dominantes de color en una imagen e incluso cambiarlo a placer si hemos capturado la fotografía en formato RAW. Pero eso será en otra imprescindible Pixelessons. ¡Hasta la próxima entrega!

Alexander White ha decidido adentrarse en el universo de Leica para analizar los pormenores de esta gran firma dedicada a la fotografía y describir el modo de funcionamiento de la D-Lux 4.

El resultado final es Photographer’s Guide to the Leica D-Lux 4: Getting the Most from Leica’s Compact Digital Camera, un libro que promete ser en realidad una gran guía de ayuda para usuarios de este modelo. Porque a lo largo de sus 227 páginas, el autor propone una suerte de manual de instrucciones con detalles de la D-Lux 4, ahondando en sus características, sus controles y menús.

Para mayor claridad, la publicación contiene una gran variedad de fotos e ilustraciones que precisan las explicaciones técnicas y los resultados. El libro también ahonda en el uso de flashes internos y externos, en distintos accesorios y en algunas técnicas como la macrofotografía o la fotografía infrarroja.

Su precio es de 19.95 dólares.

Vía: Photographer’s Guide to the Leica D-Lux 4

Basta mirar los escaparate o navegar por la web para saber que uno puede encontrar todo o casi todo. Ya sea que se trate de objetos de moda, ciencia o fotografía. Sin embargo, hay quienes gustan de la fabricación artesanal y sienten pasión por diseñar los distintos elementos por sí solos. En especial si hablamos de volver a la esencia de la fotografía.

Para ellos, este artículo dedicado a crear 10 accesorios artesanales de fotografía puede ser muy útil. Se trata de un informe completo que aborda distintos accesorios y la forma de elaborarlos en forma artesanal.

El informe incluye distintos elementos, desde trípodes o estabilizadores hasta cajas de luz, reflectores caseros o difusores o cascos para paparazzis. Además hay ilustraciones que acompañan el paso a paso. Os dejo con el enlace para mayor información.

Vía: Crave

Es el A-B-C-D-E de la fotografía de viajes, cinco puntos elementales que os ayudarán a la hora de lograr las tomas soñadas. Especial para viajeros sin gran experiencia con las tomas que no quieren sentirse frustrados al ver los resultaodos. Comencemos entonces con el primero punto.

A. La acción: hay que buscar tomas donde haya algo de acción. Puede ser algo sencillo, el humo de un café, un animal en una pradera, etc. Lo importante es romper la monotonía con una acción.

B. El balance: en este caso no hablamos del balance de blancos sino de lograr una foto balanceada. ¿Cómo se puede lograr? Siguiendo la regla de los tercios. Es decir, dividiendo la toma en tercios para así lograr una imagen simétrica y bien equilibrada. Un buen recurso es no ubicar objetos justo en el centro del cuadro, también usar marcos naturales como puertas, ventanas o arcadas.

C. La composición: la composición remite a la riqueza de la imagen y en ella influyen las texturas, los ángulos, los colores vívidos, los patrones, los objetos o los marcos. En fin, todo aquello que ayude a contar esa historia visual.

D. La profundidad de campo: es importante tener en cuenta la distancia entre los objetos enfocados y el fondo para así lograr la dimensión deseada y hacer la toma más real.

E. La evocación: no debemos olvidar que las fotografías de viajes sirven para trasladarnos a un tiempo y un lugar. Es importante entonces que las tomas evoquen los momentos vividos. Esto se puede lograr teniendo en cuenta los detalles y las situaciones de la escena antes de disparar.

Vía: The traveler´s notebook

Todo depende del carácter del animal. Hay algunas mascotas que son muy tranquilas y pueden ser fotografiados en cualquier momento mientras que otras se mueven para todos lados y es casi imposible lograr una buena toma. Así y todo, en ambos casos la odisea puede ser algo difícil pues muchas tomas interesantes sucedes cuando los perros están en movimiento, ya sea corriendo o atrapando una rama.

Es por eso que llega un libro dedicado a la fotografía de mascotas. Su nombre es Photography 101: Tips for taking better photos of your dog or cat y a través de sus páginas Andrew Barlow nos cuenta algunos secretos para resolver este tipo de fotografías.

El libro incluye una gran cantidad de bonitas imágenes y hace referencia a todos los detalles involucrados en las tomas, desde la elección de los equipos hasta la organización de las fotos y la post-producción.

Con 190 páginas, su precio es de 14.95 dólares y si hay algo en su contra es que por el momento la publicación es en inglés.

Vía: Imaging-Resource

Las partículas de polvo son grandes enemigas de la fotografía y así es como tarde o temprano debemos ocuparnos de eliminarlas de nuestros equipos, sobre todo en el caso de las cámaras réflex.

Si hablamos del sensor, su limpieza requiere especial cuidado dado que esta parte de la cámara es muy delicada. Siempre es posible recurrir a la ayuda de un servicio técnico profesional para resolver el problema aunque también podéis realizar el proceso por vuestra cuenta aunque prestando gran atención.

La mejor forma de hacerlo es usando una pera de irrigación, un producto de goma y muy suave que podéis conseguir en cualquier farmacia y es muy económico, no más de 3.5 euros. Basta apretar suavemente la pera para lograr buenos resultados. Por otra parte, se aconseja evitar los sprays de aire comprimido dado que algunas personas han tenido malas experiencias debido a la presión con la que sale el aire.

Y, por supuesto, tampoco se aconseja el clásico método de soplar con la boca sobre el sensor.

Vía: dzoom

El sensor es una pieza clave en cualquier cámara, más aún sin hablamos de una réflex. De tanto en tanto es importante limpiarlo para así evitar las partículas de polvo y demás suciedad que por lo general se cuela al momento de cambiar los objetivos.

¿Cada cuánto se recomienda la limpieza? Hay quienes aseguran que debe hacerse cada 15 días y si bien otros opinan que no es necesario hacerlo tan seguido sí es importante quitar el polvo de tanto en tanto, sobre todo al verificar que, en efecto, el sensor está sucio.

Para detectar cuando nuestro sensor necesita una limpieza hay una buena técnica. Sólo hace falta tomar la cámara, cerrar el diafragma y enfocar al infinito para luego tomar unas fotos del cielo. Los resultados deberían ser uniformes. Si el sensor está sucio las fotos tendrán algunos puntos oscuros.

Vía: Dzoom

Cuando se acerca el verano las miradas se agudizan, sobre todo si hablamos de fotografía. Por lo general, es una época en la que el público amateur desenfunda sus equipos y comienza a disparar…aunque no siempre con precisión.

Es por eso que Seven Super Summer Tips es un informe que se ocupa de dar algunas directrices para que las fotografías de verano sean precisas y bonitas.

Entre los consejos, podemos encontrar apuntes sencillos como:
- Fotografiar a primera y última hora del día aunque no sólo en esos horarios
pues las horas del mediodía también son bonitas para conseguir lindos retratos.

- Fotografiar en forma continua para adquirir práctica y mejorar.

- Fotografiar temas sobre los que estéis acostumbrados, como paisajes o retratos.

- Cambiar el ángulo o la altura a la que habitualmente tomas las fotografías.

- Utilizar un único objetivo para así buscar nuevos puntos de vista.

- Fotografiar pensando que sólo a ti deben gustarte las tomas. No importa el resto del público.

Vía: Fotografía Microsiervos

Algunos fotógrafos eligen el camino de la investigación a la hora de ir un paso más allá en la técnica fotográfica. En lugar de leer libros eligen la prueba y el error. De esta forma llegan a nuevos resultados, en algunos casos prometedores.

Y así es como hablamos del fotógrafo Antonio Graell quien ha expandido los horizontes de la fotografía con una técnica que entrecruza las virtudes de la fotografía digital con la fotografía química. ¿El nombre de la innovación? La halurización del Pixel, es decir la utilización de un negativo digital en la pantalla del ordenador como fuente de luz para fijar la imagen en papel fotosensibles de haluros de plata.

De acuerdo al experto, halurizar los pixels es el paso definitivo a través del cual la fotografía digital es reconstruida. Los datos creados por el sensor, los procesadores y los softwares son destruidos y transformados. Este camino conduce hacia una nueva forma de expresión y demuestra que la combinación de las técnicas química y la digital no son antagonicas sino que pueden ser complementarias en el desarrollo y la ejecución de nuevos procesos artísticos.

Para ver los resultados, podéis visitar la exposición que Grael realizarán hoy y el domingo 24 de mayo en Madrid (calle San Pedro,6)

Vía: Fotografía Microsiervos

A pesar del libre acceso a Internet, en algunas ocasiones no viene mal recurrir a la biblioteca para conocer más a fondo la técnica relacionada con la fotografía. Y si queréis nutrir la biblioteca de vuestro hogar tal vez valga la pena contar con un libro que os ayudará en momentos clave, sobre todo a la hora de pensar la iluminación de las tomas.

Iluminación para fotografía digital 2 no es un libro para profesionales sino que está destinado a aquél público amateur que aún está en proceso de descubrimiento y desea ahondar en la técnica fotográfica.

Es así como a través del relato de Juan Onna, fotógrafo experto, podremos saber como resolver las diferentes situaciones de iluminación que podemos encontrar en distintos ámbitos. Fotografías en interiores, exteriores, luz continua, natural o artificial son algunas de las temáticas en las que ahonda el autor y así es como enseña a aprovechar las diferentes fuentes de luz.

Para completar los conocimientos, el libro incluye un completo artículo sobre fotometría para así comprender mejor los conceptos de la medición de la luz. Y a esto hay que sumarle un glosario de términos fotográficos.

Vía: Nikonistas

Canon siempre tiene la última palabra simplemente porque nadie desconfía de su saber. Es como esos viejos vinos que cuanto más tiempo pasa mejor se ponen. La trayectoria de esta firma la ha ubicado en un pedestal del saber, digno de cualquier catedrático.

Es por eso que me atrevo a deciros que si queréis conocer más sobre el proceso de captura de imágenes, tal vez encontraréis una buena alternativa en una reciente página de Canon, en donde la firma ofrece cinco cursos online para fotógrafos aficionados.

Las “clases” vienen en archivos PDF y se pueden descargar gratuitamente desde la web aunque primeramente hay que rellenar un formulario para registrarse y comenzar a recibir la información. Es un fastidio, como siempre ocurre con los registros que incluyen bastantes datos, pero al menos también quedas agendado para recibir todos los meses el boletín electrónico gratuito de Canon.

Ahora bien, ¿cuáles son las temáticas que la compañía ha considerado imprescindibles?:

- Personas y retratos
- Animales y naturaleza
- Viajes y vacaciones
- Fiestas y acontecimientos especiales
- Paisajes y arquitectura
- Fiestas y acontecimientos especiales.

Claro que os anticipo que no podéis esperar una elaborada teoría acerca de cómo capturar las imágenes, simplemente se trata de unos tutoriales que brindan un número de consejos prácticos para quienes encuentran en la fotografía una placentera afición. Un punto a su favor es que cada dato cuenta con una imagen a modo de ejemplo que ayuda mucho a la hora de la comprensión.

Vía: Canon

Para quienes nunca han oído hablar del Digiscoping, se trata de una técnica que permite tomar imágenes de la fauna sin necesidad de recurrir a grandes teleobjetivos.

Este invento nació cuando a Laurence Ph se le ocurrió captar imágenes de la fauna aproximando la cámara digital al ocular de un telescopio de observación. La idea era bastante sencilla pues bastaba con acoplar a un telescopio terrestre o astronómico una cámara digital, consiguiendo distancias focales muy superiores a los teleobjetivos de fotografía convencional.

Pero como suele suceder en estos casos lo que a primera vista parece sencillo no lo es en la práctica. Es por eso que la página de Nikonistas ofrece un conjunto de tutoriales que ahondan en los secretos del Digiscoping. Se trata de un conjunto de vídeos que se pueden apreciar desde el propio sitio web.

Los vídeos son de corta duración y apuntan a mejorar aspectos concretos de la captura de imagen con una cámara DSLR pues, como bien sabéis, esta técnica no permite utilizar el enfoque automático de la cámara además de que la profundidad de campo es muy limitada.

Vía: Nikonistas