Son dos variables complejas, primero ubicarse en los recovecos imposibles del mundo, después observarlos con ojo de artista. Es cierto que las fotografías del estadounidense Clark Little tienen mucho de azar -no hay demasiadas posibilidades de fotometriar o hacer encuadres muy pensados en el corazón de una ola de cinco metros de altura-, aun así el resultado es asombroso; además de los colores y el impactante efecto de transparencias, el secreto parece estar en el peligro que contagian las perspectivas, un cruce claustrofóbico de luz, arena y toneladas de agua. Casi sin querer, sus imágenes comenzaron a aparecer en medios de llegada internacional. El resto avanzó solo. Hoy dos obras suyas están expuestas en el Museo Smithsonian de Washington, dentro de la muestra Oceans Photography Award, que puede visitarse hasta el domingo 25 de septiembre.

La aventura comenzó en 2007. Little dedicó más de quince años de su vida al surf, nació en 1968, en Oahu, Hawaii, participó en torneos y hay quienes lo señalan como uno de los pioneros en surfear superficies de alto riesgo, muy próximas a la orilla. Su mujer le pidió una fotografía del mar para decorar la habitación, Little, aprovechando su experiencia como surfista, hizo la toma desde adentro del agua; sorprendido por los resultados, el próximo paso fue cambiar la tabla por una cámara y un par de patas de rana. Fue un quiebre definitivo: hace cuatro años que recorre las costas de Estados Unidos, Brasil, Canadá y Japón experimentando con la fotografía.

Little utiliza un equipo simple, liviano y resistente. Por lo general, elije las cámaras Nikon D200, D300 y D3, con un lente ojo de pez de 10.5 mm. Las carcasas protectoras se las fabrica exclusivamente Taro Pacual [Water Housings Hawaii], un especialista que también trabajó en la tecnología utilizada para filmar la serie Lost, Hawaii Five-0 y Bay Watch, entre otras. Es fundamental -explica- contar con un equipamiento sólido, para hacer determinadas tomas tiene que soportar violentos revolcones que lo mantienen bajo el agua casi un minuto. En promedio, para cada ola obtura entre 9 y 10 veces. Su objetivo principal es lograr una buena fotografía, pero nunca descuida su integridad física. Con los años logró entrenar el ojo para reconocer qué ola vale la pena capturar, pero hay muchas que descarta, por más perfectas que sean, porque sabe que puede salir lastimado (especialmente en fondos de coral) o directamente ahogarse.

No sigue ni el cinco por ciento de sus disparos, entra al agua nadando, ubica la cámara en el lugar justo y obtura. Tal vez en una tarde, en dos o tres horas, hace cerca de mil tomas. Recién cuando llega a sus casa y baja las fotos al ordenador puede ver con tranquilidad el resultado de su trabajo. El principal obstáculo son las condiciones meteorológicas, hay días nublados que destruyen la iluminación, y a pesar de que usa flashes especiales es imposible lograr imágenes óptimas. Hay otros días, en cambio, que un par de minutos son suficientes para armar una colección completa.

La habilidad para posicionarse y sostener el peso del cuerpo en medio del oleaje es un legado directo de sus años como surfista. No es sencillo -apunta- hay que saber filtrar monstruos de espuma y esquivar los grandes picos nadando por debajo de la marea. El tiempo y los reflejos rápidos son esenciales, hay días que las ondas son gigantescas, por eso nunca hay que perder el control del cuerpo ni la tranquilidad, porque cualquier error repercute en la capacidad de aguantar la respiración bajo el agua, lo cual puede ser, directamente, mortal.

Su lugar preferido para fotografiar, o al menos dónde más cómodo se siente, es la orilla. Según dice, es una zona de cambios constantes y se forman los mejores colores en la fusión de la espuma, la arena, el sol y el agua. Mar adentro el paisaje es homogéneo, aunque también tiene su encanto. Una de sus fotos más conocidas (está expuesta en el Smithsonian) es Dancing honu, donde retrató a una tortuga gigante que atraviesa el mar por debajo del oleaje. Esa foto, por ejemplo, fue tomada a mitad de camino. “El mar es impredecible, hay variaciones de formas, tamaños y velocidades. Sé que cada fotografía va a ser única, pero si me aburro tengo siempre la playa o los animales de los alrededores. De hecho, las fotos de tortugas aparecieron en la búsqueda de hacer algo nuevo. Uno nunca sabe dónde va a terminar. Lo importante es dejar llevarse por la diversión”, agrega.

Little tiene siempre el oído atento a los comentarios que hace el público sobre su obra, lo que más percibe es el impacto que causa el hecho de encontrar belleza en un paisaje natural tan efímero e inalcanzable. Desde su punto de vista, el secreto está en presentar composiciones que no pueden recrearse artificialmente con tanto realismo, es un momento irrepetible que está por fuera de cualquier manipulación posible en la era del diseño gráfico y las imágenes digitales. “A veces pensamos que hemos visto todo. Pero hay que ver dónde estamos ubicados. Me conmueve que el público comparta los mismos sentimientos que yo siento cuando hago estas fotografías”, señala.

En los últimos tres años editó libros, abrió una galería con su nombre y vendió obra a importantes coleccionistas e instituciones de todo el mundo. Incluso lanzó una marca exclusiva de tablas de surf decoradas con sus imágenes. Little asegura que las cosas fueron dándose en sus propios tiempos; eso sí, reconoce que fue de a un paso por vez, intentando no tropezar en errores de atolondrado. Su mayor éxito -agrega- es no haberse quedado quieto por temor, aunque el mundo de la fotografía sea amplio y extenso prefirió arriesgar y perfeccionarse en movimiento.

Las fotografías del brasileño Sebastião Salgado encuadran un reclamo social latente, son el reflejo de las necesidades de los desposeídos, de aquellos que articulan una lucha silenciosa en base a la fuerza de sus propias manos. La dignidad del trabajo en la pobreza. El escenario desgarrador de la marginación. Salgado estudió economía y prestó servicios para organizaciones de alto vuelo internacional como la OIC (Organización internacioal del café), pero en 1973 pateó el tablero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. Con 29 años y de modo autodidacta recorrió el mundo capturando imágenes que lo ubican como uno de los reporteros gráficos más respetables de las últimas tres décadas.

“Un rostro revela la historia y el sufrimiento de todo un pueblo”, asegura. Sus trabajos se extienden años, es meticuloso en la selección de cada imagen, camina tierras inhóspitas hasta toparse con la sociedad profunda, la sociedad que intenta construir sus propios códigos mientras sufre los códigos ajenos. En ese lugar, sea donde sea, desenfunda su Leica para arrebatar, en blanco y negro, un testimonio inminentemente artístico y violentamente político. “Espero que la persona que se acerca a mis exposiciones no sea la misma al salir”. Así dice. Así parece ser.

Su primera serie, América latina, es una colección de fotos tomadas entre 1977 y 1984. Después de recorrer Europa y parte de África, desembarcó en Latinoamérica para mostrar las comunidades que luchan por su supervivencia en las costas del noreste de Brasil, las montañas de Chile, Bolivia, Perú, Ecuador, Guatemala y Méjico. El núcleo del trabajo registra la vestimenta casi prehistórica, las tierras áridas, la pobreza, la entereza espiritual y la muerte como anécdota y rutina. En Sierra Madre, entre hongos mágicos y peyote, escuchó historias sobre la imaginación de los vivos, ese borde insólito que separa dos mundos. El real y otro, distinto: también real. Salgado explica que fueron siete años en los que saltó siete siglos al pasado, donde el pulso del tiempo tiene otro valor y el flujo de culturas se enaltece en el sufrimiento. La obra completa integra el libro Otras Américas, publicado en 1986 y presentado oficialmente en el marco de una gira que atrajo a millones de espectadores en todo el mundo.

Ese mismo año editó Sahel: l’homme en détress [Sahel: el hombre en peligro], basado en fotografías que tomó en esta zona de África durante y después de una sequía de magnitudes catastróficas que empujó a enfrentamientos bélicos en Chad, Eritrea, Sudán y Etiopía. El éxodo se planteó entonces como la única esperanza para sobrevivir. Salgado dedicó meses para registrar las consecuencias; trabajó junto con el equipo de Médicos sin fronteras. Las fotografías tuvieron una fuerte repercusión en la prensa internacional y también integraron una muestra itinerante.

En 1993 editó el libro Workers, un ensayo que comenzó a finales de 1986 sobre la temática de la mano de obra en los cinco continentes. La idea fue contar la historia de una época, signada por el avance de una Revolución industrial que, desde el presente, tropieza con el futuro de hombres y mujeres para ubicar a la competencia de mercado como única consigna. El resultado es una línea arqueológica y visual que deja en claro cómo el trabajo de muchos beneficia a pocos.

“Vivimos en un mundo altamente industrializado, pero la producción es apenas para un quinto de la población mundial. Los otros cuatro quintos no tienen siquiera posibilidad de convertirse en consumidores. Sin embargo, son los encargados de mantener en movimiento los engranajes del sistema. El destino de los trabajadores es el de crear un nuevo mundo para revelar una nueva vida, para recordar que no existen fronteras. De esta manera se adaptaron, se resisten. Creen para sobrevivir”, explica el artista.

El segundo capítulo de Workers se tituló Migrations [Éxodos] y fue editado en el 2000. Los cambios drásticos en los modos de producción movilizaron a Salgado a mostrar las repercusiones sociales, evidenciadas en las condiciones de millones de emigrantes que vagan de país en país en busca de un lugar para establecerse. Víctimas del desarraigo, muchos terminan en campamentos de refugiados o suburbios urbanos donde no tienen otra opción que resignarse a ser explotados. “La desigualdad económica genera cambios globales. Todo lo que sucede en el mundo está interconectado, todos estamos afectados por la creciente brecha entre ricos y pobres, por el crecimiento demográfico, por la mecanización de la agricultura, por la destrucción del medio ambiente, por la intolerancia de los políticos. La gente arrancada de sus hogares es la víctima más visible de esta convulsión”, señala. Salgado fotografió gente en 41 países durante casi siete años en busca de una reflexión social que enfrente la idea salvaje del individualismo.

En 2003 presentó el libro The end of polio [El fin de la polio], donde retrata el trabajo que equipos especializados realizan en la República Democrática del Congo, India, Pakistán, Somalia y Sudán para combatir la poliomielitis, enfermedad que afecta a los niños de entre cinco y diez años. Se calcula que para 1988 había casi 1000 nuevos enfermos por día. Para 2002 las cifras bajaron a 2000 casos anuales. El ensayo recupera visualmente el esfuerzo y el riesgo de los médicos y voluntarios que colaboraron para enfrentar el brote de contagios. Son sesenta fotografías que todavía se exponen en distintas galerías de Estados Unidos, Asia y Europa.

Actualmente, Salgado trabaja en Génesis, un proyecto a largo plazo que sigue la misma línea que todos los anteriores pero con un giro sustancial: va en busca de la belleza, de lo que todavía está en pie a pesar de los procesos destructivos que desatan algunas actividades humanas. Las imágenes también está focalizadas en el ser humano, pero contextualizadas en áreas primitivas, donde todavía existen culturas que mantienen sus tradiciones ancestrales. Es un trabajo de conservación antropológica que comenzó en 2004 y se extenderá hasta el 2012.

El artista define a Génesis como un intento de captar la majestuosidad de las regiones en estado prístino, áreas silvestres donde los paisajes son vírgenes, lugares donde las comunidades humanas construyen su propio tiempo. Algunas de estas historias ya se han publicado en medios como Paris Match, Rolling Stone, La Vanguardia, Visão, Guardian y La Repubblica. Por el momento, hay cerca de veinte series finalizadas, que incluyen a las Islas Galápagos en Ecuador, la Antártida y los bosquimanos de Botswana.

Había cosas para decir. Finalizaba la década del 80, se vislumbraban cambios gruesos. En Francia, la prensa de rock se había estancado en el mainstream, sólo clásicos y comerciales, entonces Los Inrockuptibles fue en busca de los espacios vacíos. Los inicios se caracterizaron con el estilo do it yourself: un fanzine básico, salía cada dos meses. Eran tres que hacían todo, eran fanáticos no profesionales. Y fue un éxito. Renaud Monfourny fue uno de los integrantes de esa pequeña cúpula fundadora. Fotógrafo, lleno de ideas, con el tiempo generó una estética en su trabajo que influenció a las revistas de peso pesado. Hicieron dinero, profesionalizaron la publicación y se adjudicaron un lugar de privilegio dentro de la escena emergente, en ese momento comandada por The Smiths, en Europa, y REM, en Estados Unidos.

Los medios quedaron atrás en su carrera como artista, en la actualidad está íntegramente dedicado a la fotografía. Rock, cine y literatura. En más de 20 años como profesional fotografió a celebridades de la talla de Woody Allen, The White Stripes, Pixies, Adam Green, Cat Power, David Lynch, Elioth Smith, Michel Gondry, Ulan Bator, Björk, Lou Reed, Nick Cave, Pascal Ferran, Patty Smith, Carla Bruni, Sonic Youth, Quentin Tarantino, Iggy Pop, Velvet Underground, Kurt Cobain, William Burroughs, Adolfo Bioy Casares y Regina Spektor, entre muchas otras. Sus imágenes están girando constantemente por museos y galerías de todo el mundo.

La intención de Monfourny es acercar, nada de fotos/cuadros ni grandes dimensiones. Nada que tenga que ver con el consumismo. La sociedad, explica, es incapaz de interrogar la actualidad y menos cuestionarla. La fotografía debe ser –continúa- un vehículo, sin lugares comunes ni íconos diseñados en favor de una crítica institucionalizada.

“Me alejé de la revista casi naturalmente. Hoy es una empresa gigante, trabajan 70 empleados. Cuando una empresa crece hay quienes quedan en la dirección y otros en contacto con los artistas, yo preferí quedarme con los artistas. Hoy el mundo cambió, la revista evolucionó con el negocio de la música. Es mucho menos divertido que antes”, dice en perfecto francés.

La idea nació con una propuesta para trabajar sobre los derechos de la infancia. El fotógrafo inglés James Mollison asoció inmediatamente su infancia con su dormitorio; el dormitorio es el universo propio de los niños, donde juegan, donde duermen, donde construyen sus secretos más íntimos. Esa fue la semilla del ensayo Where Children Sleep, una colección de 56 dípticos capturados a lo largo de los cinco continentes. De un lado el retrato de un niño, del otro su habitación. Tan simple y simbólico. Tan artístico y desgarrador.

El trabajo, editado por Chris Boot LTD en noviembre de 2010, consigue abordar problemáticas sociales complejas que afectan a los niños de todo el mundo. Fue como un flechazo, explica Mollison, ni bien surgió la posibilidad de realizar este ensayo encontró en el recuerdo de su habitación elementos constitutivos de su propia identidad. Punto y seguido inició una gira en busca de distintas circunstancias, pero sin tropezar en los lugares comunes de la denuncia social relacionada únicamente con las penurias de los países más pobres. El concepto fue generar un contraste, enfrentar clases sociales, códigos culturales, poder adquisitivo, creencias religiosas, nacionalidad y la propia imagen de los niños.

La idea del fotógrafo fue exponer, a partir de detalles, el contexto que inevitablemente diferencia a cada niño en particular; por eso también se detuvo en el retrato: un fondo neutro, iluminación y producción acorde al análisis social que quiere presentar. El libro está escrito y presentado a una audiencia de 14 años de edad en promedio, sólo se fotografiaron chicos de entre 13 y 16 años. “Los hicimos pensando en la participación de un niño en los universos de otros niños, en las circunstancias que los afectan. Al mismo tiempo es un ensayo de fuerte impacto para el público adulto”, señala.

El acto de dormir, las condiciones en las que se ejerce esa actividad básica y universal, representa una seña cultural evidente, por la posición, por las comodidades, por el clima, por las condiciones de higiene. Mollison recorrió durante cuatro años ciudades y pueblos de Brasil, Estados Unidos, Costa de Marfil, Nepal, China, Cisjordania, Colombia, Inglaterra, Japón, Senegal, Escocia y Kenia en busca de un abanico lo más amplio y plural posible. Cada una de las fotografías está acompañada por una breve historia de vida de los chicos, donde se destaca su acceso a la educación, sus sueños, su rutina, la distribución de su casa y cómo está conformada su familia.

Algunos niños

Joey tiene 11 años y vive en Kentucky con sus padres y su hermana mayor. Todos los fines de semana acompaña a su padre a cazar al campo, tiene dos rifles y un arco. Cazó su primer ciervo a los 7 años. En su casa siempre cocinan con las piezas que capturan. Joey no ve con buenos ojos que se mate a los animales sólo por deporte.

Lamine tiene de 12 años y vive en Senegal. Es alumno de la escuela musulmana de la aldea, donde no se admiten chicas. Comparte dormitorio con otros chicos. Las camas tienen las patas hechas con ladrillos. A las seis de la mañana comienza a trabajar en la escuela-granja, ahí aprende agricultura y ganadería. Por la tarde, estudian el Corán.

Tzvika tiene 9 años, vive en un bloque de pisos en Beitar Illit, un asentamiento israelí en Cisjordania integrado por 36.000 judíos ultraortodoxos. La televisión y los periódicos están prohibidos en este asentamiento. Allí, las familias promedio suelen tener 9 hijos, pero Tzvika tiene sólo una hermana y dos hermanos, con quienes comparte dormitorio. Va a una escuela donde no está permitido hacer deportes. A Tzvika le encanta leer las sagradas escrituras y jugar a juegos religiosos interactivos con su ordenador. Cuando sea grande quiere ser rabino.

Nantio tiene 15 años, es miembro de la tribu Rendile, del norte de Kenya. Tiene dos hermanos y dos hermanas. Vive en una tienda hecha de pieles y plásticos recogidos de la basura. Siempre hay un fuego encendido en el centro de la tienda para mantener el espacio tibio durante la noches, todos duermen alrededor de las brasas. Su trabajo consiste en cuidar el rebaño de cabras, cortar leña y traer agua. Fue a la escuela de la aldea durante algunos años pero decidió abandonar sus estudios. Ella espera que un Moran [un guerrero] la elija para formar matrimonio. Si esto sucede, antes de casarse tendrá que someterse a una ablación de clítoris.

Douha tiene de 10 años, vive con sus padres y otros 11 familiares en un campo de refugiados palestino de Hebron, en Cisjordania. Comparte el dormitorio con sus cinco hermanas. Su hermano Mohamed se inmoló en 1996, en un ataque suicida que terminó con la vida de 23 civiles israelíes. El Ejercito de Israel, acto seguido, destruyó la casa de su familia. Douha tiene un póster de su hermano en el dormitorio.

Kaya tiene 4 años y vive con sus padres en un pequeño apartamento en Tokio, Japón. Su dormitorio está repleto, desde el suelo hasta el techo, de ropa y juguetes. La madre de Kaya le confecciona todo su vestuario: tiene 30 vestidos y abrigos, 30 pares de zapatos y más de 20 pelucas.

Indira tiene siete años, vive con sus padres, un hermano y una hermana, cerca de Katmandú, Nepal. Su casa tiene una sola habitación, con una sola cama y un solo colchón. Indira trabaja en la cantera de granito regional desde que tiene tres años, junto con otros 150 niños. Trabaja seis horas al día y luego ayuda a su madre con los quehaceres del hogar. También asiste a la escuela, situada a 30 minutos a pie. Cuando sea grande quiere ser bailarina.

Este chico, del cual no se sabe el nombre, duerme en un colchón tirado en un descampado en las afueras de Roma. Su familia llegó desde Rumania en autobús, mendigó el dinero para pagar los billetes. Ninguno tiene papeles, por lo tanto no pueden conseguir un trabajo legal. Sus padres ganan dinero limpiando parabrisas en los semáforos a cambio de monedas. Nadie en su familia ha ido nunca a la escuela.

Jasmine tiene 4 años y vive en casa de amplias dimensiones en el cordón agrícola de Kentucky, con sus padres y sus tres hermanos. Su dormitorio está repleto de coronas y trofeos que ganó en diferentes concursos de belleza. Participó en mas de 100 competiciones. Pasa su tiempo libre ensayando, con su entrenador personal, las coreografías de los concursos. Cuando sea grande quiere ser estrella de rock.

Mollison apunta que desde el primer momento consideró muy nobles las intenciones que expone la Declaración internacional de los Derechos humanos, donde se especifica que todos los seres humanos nacemos iguales; sin embargo la situación de los niños a lo largo del mundo refleja que es imposible tomar esas líneas como ciertas. “Creo que los niños son una forma interesante de explorar situaciones, porque los niños nacen en una situación determinada, no se los puede culpar de nada”.

Ser fotógrafo -agrega- es lo mismo que tener una llave para la vida de la gente.

La ubicación del observador es una problemática de índole filosófico, en especial para la fotografía. El fenómeno, el hecho en sí, varía de acuerdo al lugar donde se produce la captura. “Si tus fotografías no son lo suficientemente buenas es porque no estás lo suficientemente cerca”, anunció el célebre Robert Capa: lógicamente se refería al impacto que necesita el reporterismo gráfico. El fotógrafo argentino Esteban Pastorino, desde su búsqueda estética, invierte con astucia esa máxima, al punto que desafía la construcción de la propia realidad. Su trabajo se sostiene en la experimentación; por ejemplo, para la serie K.A.P instaló una cámara de cartón construida por él mismo en una cometa que se eleva en el cielo para conseguir imágenes que, a primera vista, parecen miniaturas. O sus impresionantes panorámicas, que con técnicas analógicas consiguen tomas en espacios públicos de más de treinta metros de extensión.

Pastorino explica que su formación como técnico mecánico y los años que cursó la carrera de Ingeniería mecánica le permitieron dar los primeros pasos para lograr este inusual estilo de imágenes. El desafío para él es encontrar la técnica que mejor se ajuste al concepto que intenta desarrollar. La serie K.A.P busca trazar un enlace con la macrofotografía o fotografía de pequeños objetos. El espectador reconoce el espacio real y entabla referencias dentro de la obra, pero nunca llega a determinar si realmente la imagen fue tomada de una miniatura o es una fotografía realizada en la altura. Para lograr este objetivo, el artista interviene directamente el proceso, genera desenfoques a partir de una alteración intencional en la posición del lente de la cámara para manipular la profundidad de campo. “El proceso fotográfico se desplaza, entonces, de su función representativa a una función cognitiva del espacio, lo presenta desde un enfoque que el ojo desnudo no podría alcanzar fácilmente”, señala.

La fotografía que encabeza este post la hemos encontrado en Noctambulos.org, una comunidad on line especializada en fotografía nocturna. Creada en el año 2007 por un grupo de fotógrafos de Alicante, actualmente agrupa a más de 2.000 usuarios interesados en esta especialidad que hace tiempo abordamos en Pixelicia. Joaquín Alfaro, uno de los fundadores, nos cuenta algunas claves técnicas y el camino recorrido en cinco años por Noctámbulos.

De entrada, Joaquín nos explica que la fotografía nocturna es aquella en la que “se toman imágenes que requieren largos tiempos de exposición y requieren un equipo específico y mucha paciencia”. No siempre hay que tomar las imágenes en plena noche, basta con que las bajas condiciones de luz obliguen a utilizar tiempos de exposición largos, “de dos, cuatro, ocho minutos o más”. El resultado son escenas con colores diferentes, detalles imprevisibles y ambientes muchas veces irreales.

¿Cómo nace la comunidad Noctámbulos?

Noctámbulos nace un poco por la casualidad y fruto de varias salidas fotográficas de un grupo de personas. La necesidad de tener un punto de reunión virtual dan lugar a la web y más tarde a un foro, portal y galería fotográfica que ha ido evolucionando hasta lo que hoy tenemos. La junta directiva está localizada en la provincia de Alicante pero el foro agrupa usuarios de toda España y parte de Latinoamérica.

¿Cómo evolucionó vuestra actividad on line?

Al principio hacíamos salidas en grupo, quedadas nocturnas sin más pretensiones. En un principio la web se constituye como un espacio privado, solo había una pequeña galería fotográfica y una pequeña bio que aportaba algo de información de lo que nos gustaba y de lo que hacíamos. Con el tiempo evolucionó a lo que ahora mismo tenemos: un portal, un foro y una galería fotográfica con más de 2.000 usuarios. El foro está dividido en varios apartados todos relacionados con la fotografía de larga exposición: fotografía nocturna, lightpainting, crepuscular y recientemente astrofotografía.

¿Qué equipos y experiencia exige esta especialidad?
El equipo mínimo recomendado podría ser: cámara réflex, objetivo angular, trípode, disparador y linterna de cabeza. Con tan poquito podremos hacer fotografía nocturna. La experiencia es un grado como en cualquier disciplina y además de trabajar en condiciones de poca iluminación hay una serie de dificultades añadidas que en fotografía “diurna” no tenemos. Encuadrar, enfocar y calcular la exposición… varían ligeramente.

¿La tecnología digital ha facilitado vuestra práctica?
Mucho. Nos permite visualizar y decidir nuestro encuadre hasta corregir y modificar in situ la iluminación que hemos aportado a nuestra escena.

¿Existen muchos sitios en la red dedicados a la fotografía? ¿Qué aportan?

Existen muchos foros y comunidades fotográficas pero pocos están tan especializados en una temática concreta. Noctámbulos apostó en su día por la fotografía nocturna de larga exposición y quizá ahí esté la diferencia.

¿Qué herramientas complementan vuestro site actual?

Las redes sociales hoy en día tienen un papel muy importante para llegar a muchas más personas. Aparte de nuestro portal, foro y galería, Noctámbulos cuenta con un rincón en flickr, twitter, un grupo de facebook y una cuenta en vimeo donde vamos colgando apariciones en prensa y TV.

La página web actual es un punto de encuentro e información para cualquier miembro de la comunidad y el contacto on line ha permitido organizar algunas actividades off line: salidas de campo guiadas, charlas divulgativas y exposiciones fotográficas. En este apartado, el colectivo ofrece dos formatos distintos: Noctámbulos Itinerantes, una muestra pensada para acercar al público el mundo de la fotografía nocturna con imágenes de gran formato (60 x 90 cm) y Noctámbulos: fotografía nocturna, destinada a pequeños espacios con una selección más pequeña y manejable.

¿Notáis interés y sorpresa en los visitantes de vuestras exposiciones?
Quizá la fotografía nocturna tenga algo de mágico, de irreal que a muchos de nuestros visitantes sorprenda y enganche. La sorpresa, el qué saldrá en nuestro visor… hacen el resto. Cada vez hay más interesados, incluso medios de comunicación… que quieren ver y conocer de cerca esta disciplina.

Si aún no ha pasado por tu ciudad, tal vez conozcas un espacio cultural, café o galería que pueda acogerla. En cualquier caso, la galería on line de la comunidad es un espacio vivo que ofrece cada día nuevas imágenes tomadas por este grupo de “fotógrafos de la noche”.

Las imágenes hablan de aquellos que ya no están. Que desaparecieron. Que fueron desaparecidos durante la dictadura genocida que en 1976 se alzó con el poder político en Argentina. También hablan de los que quedaron. Hablan de lazos partidos. Son narraciones en dos planos. En una imagen hay tres personas, o dos. En la siguiente hay una sola, o ninguna. El mismo encuadre. Las mismas locaciones. Pero treinta años después de aquel atropello sistemático a los derechos humanos que se cobró la vida de 30.000 personas. El fotógrafo argentino Gustavo Germano es el autor de Ausencias, una muestra impactante que desde 2007 está recorriendo Latinoamérica y Europa. Él la define como un ejercicio de reflexión acerca de la temporalidad, como un umbral que acerca a los espectadores a un paralelo ilusorio, donde es posible tomar dimensión de lo que significa la desaparición de un ser.

La fuerza de Ausencias late en el concepto: hacer visible a quienes no están, mostrar un hueco congelado en la historia. Germano no se vale de mayores despliegues técnicos, tampoco se preocupa por ubicarse en primer plano como autor. Las imágenes vibran por su propia potencia. Tan sintéticas. Tan exactas. Eso es justamente lo que hace de la exposición una experiencia emocional que conmueve hasta las lágrimas.

El artista explica que la muestra es producto de una obsesión, tal vez la obsesión de todos los familiares de desaparecidos, y tiene que ver con el paso del tiempo, con el hecho de no haber podido verlos envejecer. Lo que intenta transmitir Ausencias es el tiempo que las víctimas de la represión no han vivido su vida, y el tiempo que los familiares vivieron sin disfrutar de su presencia. Germano es familiar de un desaparecido, cuando tenía once años secuestraron a Eduardo, su hermano, que en ese momento tenía 18. Diez años después comenzó a dar sus primeros pasos en la fotografía. Diez años después se le ocurrió la idea. Y casi diez años después pudo concretarla.

- ¿Por qué tardaste diez años?
- Sobre el final del menemato [Argentina 1989-1999] vi algunos trabajos, como el de Fernando Gutiérrez y el de Marcelo Brosky, que sirven como formas de ejercicio de la memoria, aunque desde el trabajo fotográfico las imágenes no lograban transmitir por sí solas sensaciones más profundas. Por el vértigo diario de la Argentina yo no podía encontrar la fibra sensible, no había estructura que ayudara al desarrollo del proyecto. Estando ahí me resultaba muy contaminante el ambiente y los intereses políticos.

- ¿Qué fue lo que cambió?
- En 2001 me vine a España, estuve yendo y viniendo el primer año. Recién hice pie acá en el 2003. En el 2005 tuve a mis hijos [los gemelos Pau y Manel] eso también fue un click, que me movilizó a pensar en la trascendencia, en la necesidad de decir quién era yo. No tenía ningún espacio donde militar, ahí resurgió el proyecto, entonces intenté conseguir otro financiamiento. A finales del 2005, ya con la puesta en marcha de los juicios en Argentina, y con una política muy fuerte en defensa de los derechos humanos, se había creado el marco necesario para que este proyecto se desarrolle. También conseguí financiamiento en España para hacer la exposición.

- ¿Cómo fue el trabajo con los familiares de desaparecidos?
- Los familiares siempre están dispuestos a hacer este tipo de cosas, todo lo que sea necesario para mantener viva la memoria. Eso es casi una ley. Lo que sí es verdad es que venían de muchos palos, manipulaciones, los juicios, la leyes de obediencia debida, los indultos. Por ejemplo, muchos prestaron fotos para otros proyectos y nunca se las devolvieron. Yo sé perfectamente lo que significa la imagen de un desaparecido, es la única imagen que te queda de un ser querido. Ellos tuvieron una gran confianza. También es verdad que en el desarrollo, en el momento de hacer la foto, teníamos que coordinar, elegir los lugares, los encuadres, en muchos casos los familiares no vivían en la ciudad de la foto original. Estuvimos muy metidos en esa vorágine de trabajo y no había mucho tiempo para ponerse a pensar. Pero cuando hacíamos las fotos era un silencio absoluto. Ahora que las fotos ya están hechas es más fácil explicar lo que queríamos hacer. La imagen por sí sola explica mejor que las palabras.

La producción de las imágenes fue realmente una experiencia intensa, Gustavo recuerda que durante las sesiones se vivieron momentos muy profundos. Por ejemplo en la reconstrucción de la fotografía del casamiento de Raúl María Caire y Luisa Inés Rodríguez. Gustavo pasaba los días compenetrado en las fotografías que iba capturando, casi sin atender otro asunto. Luisa es una mujer muy católica, al punto de conmoverse en las misas, cuando se entrevistó con el cura para pedirle que se sume al proyecto entró en razón de lo que iban a hacer. No pudo contener las emociones y rompió en llanto. Pasó el día llorando. Gustavo se enteró por teléfono de la reacción de Luisa. Al otro día tenían que hacer las tomas y casi no pudo dormir. Había pasado la noche llorando desconsoladamente. “Las emociones de todos estaban a flor de piel”, comenta.

- ¿Cómo elegiste la imágenes originales?
- Fue muy complejo. Fueron muchos elementos que se entrecruzaban. No tenía que ser una exposición que haga referencia únicamente a mi hermano, a Eduardo. La idea era transmitir el sentido colectivo de la tragedia. Entonces, la elección de los fotografiados tenía que ver con mostrar ese universo, que hubiese estudiantes, colimbas, abogados, maestros. Otro elemento era el vínculo de las personas que están en las fotos, por ejemplo los padres con sus hijos, hermanos, amigos. Dentro de estos elementos, también el hecho de la fotografía en sí misma, por ejemplo había que compensar los interiores con los exteriores, lo más difícil era conseguir fotos de exteriores. No fue fácil armar ese rompecabezas porque tenía fotos que estaban bien en la idea pero no estaban las personas que tenía que convocar. Fue un trabajo que llevó bastante tiempo. Fue trabajar con el material que fuimos encontrando, las fotos antiguas no las podés inventar, tuvimos que seleccionar dentro de lo que fuimos consiguiendo.

- Desde lo técnico, tus fotografías copian la imagen original, no agregan otro recurso. ¿Cómo trabajaste esa decisión?
- Fue un elemento importante de definir. En la prehistoria del proyecto se plantearon estas cuestiones, si había que hacer fotos con equipos de iluminación, montar todo un set para cada situación o si esto iba a alejar mucho la imagen actual de la original. Yo por formación fotoperiodística me movía mejor en la posibilidad de copiar la técnica de la foto original, por supuesto sin cometer los errores que arrastran, las fotos son caseras y muchas han sido reveladas de un modo muy precario, algunas están mal fijadas, tienen manchas, que es común en el revelado manual. Por ejemplo, si la foto original no tiene flash, la mía tampoco. Continúe la misma técnica pero con una calidad más homogénea. Por ejemplo, decidí que todas las fotos actuales fuesen en color, más allá de que las originales algunas fuesen en blanco y negro. El concepto fue señalar así la actualidad las nuevas fotos, que son una repetición. La técnica está supeditada al concepto. Hacer un desembarco de equipo no hubiera logrado conseguir esa intimidad entre el fotografiado y el fotógrafo, había que ganar un marco de complicidad. No es una gran producción fotográfica sino un acto de memoria, reivindicación y denuncia. Una pretensión excesivamente técnica hubiera perdido esta cuestión casera e intimista. Había que conseguir una continuidad.

- Ausencias tiene una carga emocional muy fuerte. El público reacciona inmediatamente frente a la imágenes. ¿Qué devolución tuviste de los espectadores?
- Te cuento una anécdota. Cuando comencé a moverme con la idea de Ausencias presenté el proyecto en Casa América Catalunya. Todavía no tenía ninguna foto. Ellos se interesaron, entonces fui a la Argentina en agosto del 2006 e hice un par de pruebas. A la directora adjunta, cuando le muestro las primeras imágenes, se le escapó una lágrima. Uno está tan metido adentro de su arte que no ve lo que ven los espectadores. Ella fue la primera que se enfrentó ante estas fotos. Ahí me di cuenta de que se trataba de un material altamente sensible. Lo que más me sorprende es la gente joven. He recibido, por ejemplo mails de una chica italiana de 18 años, que no sabe porqué pero le interesa el tema y me habla de una emoción que es sorprendente. En Madrid lo mismo, gente que salía llorando de la muestra. Son fotos que generan mucha empatía porque podrían ser fotos de cualquiera.

- Lo que es increíble es que funcione tanto en Argentina como en cualquier otro país…
- Sí, es cierto. El punto es que es un trabajo que no necesita explicación, no hay que traducirlo a ningún idioma. Ese es el comienzo. En Italia y en Suiza la reacción ha sido más o menos la misma. Si tiene un mérito es que no necesita una decodificación, ni en el arte ni en palabras, porque parte desde las emociones. El link lo hace la gente frente a las imágenes.

- Un punto muy fuerte de la muestra es también el diseño gráfico, muy ajustado al concepto. ¿Cómo se dio ese trabajo?
- El diseño gráfico lo hizo Vanina De Monte, entrerriana, que es mi mujer y la madre de mis hijos. Ella no tiene una relación directa con la temática como en mi caso, pero creo que el resultado de lo que hizo es de una gran capacidad de compenetración y compromiso con el proyecto. Y muy profesional, porque le da una marca propia a la exposición pero no pretende sustentarse por sí sola. El diseño está en su función y no en el sustento en sí mismo. Esta síntesis que logró quitando el palo de la i es tan sencillo como el artilugio o el recurso de volver a hacer la foto sin la persona desaparecida. Está emparentada a lo simple, a lo sencillo, está en armonía con el proyecto. Ella venía trabajando el paralelo con las fotos, en el reencuadre, y se fue metiendo en el proyecto hasta que dio con este recurso.

- Me enteré que te llamaron de Brasil para hacer el mismo trabajo, obviamente con los desaparecidos de allá. ¿Cómo vas a encarar esa propuesta?
- Es cierto, hay una propuesta para hacer el mismo trabajo en Brasil. Posiblemente las fotos se hagan en junio o en agosto. Estamos recolectando imágenes e historia, para saber cuáles se hacen. El proyecto está aprobado y el dinero otorgado a una productora de San Pablo. Esto se enmarca dentro de la idea de poder trabajar el tema de los desaparecidos, que funcionen solas o en conjunto con otras. La intención es ir también hacia Chile, Uruguay y Paraguay. Queremos ir avanzando por Latinoamérica en los próximos años.

El recorrido de Ausencias

La muestra se encuentra expuesta en Mar del Plata, desde el 22 de marzo, en el Teatro Auditorium. A principios de mayo se trasladará a Buenos Aires. Después visitará la ciudad de Pelotas, Brasil. Paralelamente hay una serie con las mismas imágenes que está girando por Italia. Entre 2007 y 2011 ya recorrió España, Suiza y Alemania entre otros países europeos. “La gira continúa. Es una muestra que nunca está quieta”, dice el fotógrafo.

Fotografías: Andrea Carboni
(excepto las originales de Ausencias)

A primera vista, los cuadros del argentino Helmut Ditsch parecen fotografías, pero sería un grueso error definirlos de ese modo; hasta sería incorrecto encasillarlos como hiperrealistas. Sus lienzos, de dimensiones monumentales, son una representación cuidada de un escenario natural: el mar, el desierto, los hielos continentales, cada uno seleccionado de acuerdo a la búsqueda emotiva. Su trazo es único y sus composiciones sorprendentes, para concebir, por ejemplo, su célebre obra Mar II (2005) utilizó más de 550 tonos de azules. Esta pieza se ha convertido hace pocos meses en la mejor cotizada de la historia del arte argentino, se pagó casi un millón euros, cifra que ubica a Helmut Ditsch por encima de Antonio Berni y Guillermo Kuitca, entre otros grandes exponentes del arte pictórico argentino en el mercado internacional. Su obra plantea un desafío al avance de la tecnología, dibuja, crea en ritmo con la sensibilidad.

Aún así, Helmut no le dedica ni una fracción de segundo a los indicadores del mercado. Su respuesta es categórica en este sentido: “Al mercado me lo paso por las bolas”. Su voz suena tranquila, convincente, su discurso está alejado de las típicas poses del artista de elite. De hecho, su camino está dirigido exactamente hacia el lado contrario, hacia el arte popular.

- ¿Qué desafíos te propone el hecho de ser el artista argentino mejor cotizado de la historia?
- El mercado de mi obra no existe, porque nadie especula con el precio de mis cuadros, no hay obra mía en el mercado, eso es lo mejor que me pudo haber pasado. Puede que mis obras sean las que tienen el valor nominal más alto, pero el valor no se mide en cuestiones nominales, sino por lo afectivo, lo artístico, lo universal. Es una anécdota que sucedan estas cosas. Además es paradójico, porque yo sólo busqué ser feliz con la pintura, nunca me interesó el dinero. Me crié con ese pensamiento. Eso me hizo fuerte para poder generar todo esto. Hoy estoy acá, en el lugar donde yo comencé.

Helmut habla de la plaza, el espacio público por excelencia. Su obra está expuesta en una galpón espacioso, en el corazón de una plaza ubicada en una zona comercial de la ciudad de Mar del Plata. Todos los días, desde que la muestra abre sus puertas, hasta que se va la última persona, Helmut pasea entre los cuadros, saluda gente, responde preguntas, firma autógrafos. Quiere sentir la devolución del público en persona, quiere palpar las reacciones cara a cara. Quiere estar ahí, cuando sucede el intercambio entre la obra y el espectador.

- ¿Quiénes son hoy tus coleccionistas?
- Desde los tiempos en que vendía obra en las plazas mis coleccionistas están al lado mío. Ellos son fanáticos, son mis mecenas. Entre todos generamos una mentalidad empresaria, estamos juntos en esto, el nombre de ellos está pegado a mi obra. Todo esto surge del pueblo.

- Alguna vez te escuché decir que no le venderías obra a cualquier empresario ni a cualquier museo. Que preferís mostrar gratis en lugares populares. ¿A qué se debe esta decisión?
- Eso es ser consecuente con mi propio pensamiento político, con mi destino. Yo no necesito dinero, soy artista del pueblo. Yo soy feliz si me das un pincel, un lienzo, un piano y así crear mi propio mundo. Quiero estar cerca de la gente, en lugares de inclusión social.

El desencanto con el micromundo de las galerías de arte lo alejó de la escena a mediados de la década de 1980: se dedicó a la escalada extrema, especialmente en la Cordillera de los Andes. En 1988 decidió regresar, se trasladó a Viena donde finalizó sus estudios artísticos. En 1993 dio a conocer su primera obra en gran formato; se habían abierto las puertas hacia un estilo propio, reconocible y valorado en el mundo entero. A pesar del éxito, el año pasado, Helmut comenzó a sentir que Europa ya no era el lugar indicado para continuar con su trabajo.

- ¿Por qué decidiste volver a la Argentina?
- Los artistas tenemos una antena que percibe lo que se viene. Durante los 90 nunca tuve la premonición que tenía que volver a la Argentina. Todo lo contrario. Ahora sí siento que tengo que estar acá, por una razón que supera mi conciencia. Recién ahora entiendo porqué: se están dando situaciones en la sociedad argentina donde yo encastro perfectamente como artista alternativo, como una vanguardia de pensamiento que fui creando. Esa es una militancia cultural desde donde quiero aportar.

- ¿Qué sentiste en los últimos años en Europa?
- Que no pasa nada. Acá, en Latinoamérica, es donde suceden las cosas hoy. Estuve en Venezuela, en Brasil, pero es notable lo que está pasando en la Argentina, el pueblo tiene una energía impactante. Acá todo se mueve, todo está girando. Allá está todo estancado, especialmente en los ambientes intelectuales. Yo los conozco, están ahí, letárgicos, son momias. Ya no tiene sentido invertir el tiempo en lugares donde uno está solo. Acá estoy en medio de una marea, de una gran movida que está anclada en el pueblo.

- ¿Cómo sentís a la gente que se acerca a tu obra?
- Me gusta eso de que los espectadores sean testigos del artista. Se genera una relación fantástica. Estoy todo el tiempo intercambiando sensaciones. Me doy un baño popular, es adrenalina pura para mí.

La reacción del público frente a las obras de Helmut Ditsch es siempre la misma, como si todos se hubiesen puesto de acuerdo: primero se paran a una distancia de dos o tres metros para contemplar los cuadros en toda su magnitud y de a poco se van acercando hasta intentar tocar el lienzo. Es tal el impulso de querer tocar la obra que hubo que pegar en el suelo una cinta blanca a cincuenta centímetros para advertir que no está permitido meter los dedos en la tela. Y aún así, hay muchos que desobedecen.

- ¿Definís tu obra como hiperrealista?
- No, claro que no. El hiperrealismo nunca llegó a ser una escuela, es una técnica. Lo mío es realista sin ser paisajista, es un realismo emotivo. De hecho, cuando el espectador ve mis obras lo primero que siente es un choque emocional, recién después llega la mirada analítica, recién después se pregunta cómo hice para construir esa imagen.

- ¿Cómo hacés para equilibrar, en el proceso creativo, lo técnico y lo emocional? ¿Cómo se logra una obra de este estilo sin caer en la frialdad del tecnicismo?- A muchos se les cae la palabra foto cuando ven mis cuadros, pero es mucho más que eso. Por ejemplo, dos nenitas de cinco y seis años, hace unos días, me dijeron que yo pinto ventanas. Esa fue la definición más sintética y ajustada que escuché de mi obra. O sea, una realidad, una vivencia. Ellas no tenían que tocar ni cuestionarse nada. La estética, la belleza, se reconocen por su propia potencia. Lo técnico es una simple herramienta.

- ¿Cómo llegás a preparar los 550 tonos de azul? ¿Cómo es tu relación con el trabajo artístico que hay detrás de cada obra?- Soy muy celoso de mis pinceles, los tengo que lavar yo. La parte ritual es mía. No soy conciente de lo que hago, no es racional. Esa cantidad de colores puede dar a pensar que es pura técnica, pero la acción es un estado de trance. No sé de dónde sale esa cantidad de colores. Mi sensores me permiten encontrar lo que necesito: eso es lo único racional, sé cuántos kilos de pintura voy a usar, eso es matemático, proporcional. Con eso ya tengo suficiente para mi viaje astral, es como si me encerrara en un claustro donde estoy viajando, donde entro en trance. La pintura es mi oxígeno. Yo tengo una forma muy homogénea de pintar, tengo que adaptar mi biorritmo a mi arte, eso es muy duro, sólo se logra cuando uno entra en trance con lo que está haciendo.

- ¿De qué otras cosas te nutrís?
- Toco el piano, hago mis composiciones musicales, que es algo que poco se conoce de mí. También tengo mis musas inspiradoras, muchos a nivel político, pero también fenómenos internacionales, por ejemplo en algún momento Michael Schumacher, este corredor que ganaba todo, me inspiraba en mis creaciones, ahora el caso de Messi. Es como el enamoramiento, me motivan los fenómenos populares.
- ¿Cómo te llevás con la crítica y con la elite del arte internacional?
- Para mi el arte es la voz del pueblo en la máxima expresión, no la elite excéntrica, ni los snobs. Esa elite no representa ni siquiera a los artistas. El artista que nace de las bases no se siente representado por esa voz, somos un montón, yo no soy el único. La mayoría está afuera. Prefiero estar con la mayoría por una cuestión de supervivencia.

Lejos de la fotografía tradicional, hay algunos fotógrafos que se las ingenian para lograr resultados sorprendentes apelando al ingenio y a la creatividad. También a una buena composición de la imagen, llave maestra que ha utilizado Kevin Van Aelst para lograr sus personales tomas.

Este fotógrafo de los Estados Unidos ha recurrido a una fórmula única para dar con un puñado de fanásticas fotos que intentan representar distintos conceptos científicos. Así es como utilizando distintos objetos de la vida cotidiana da vida a estas imágenes para el recuerdo.

¿Algunos ejemplos? Representa los cromosomas con unas gominolas o bien una rebanada de pan integral y queso en lonchas para crear el triángulo de Sierpinski. Una ropa apilada en color azul y rojo da vida a un corazón mientras que el espacio está representado con unos cuantos metros.

Para conocer mejor su obra podéis visitar su página web. Es muy interesante.

Vía: Kevin Van Elst

Podemos decir que nos sentimos orgullosos pues un español ha sido el ganador de la edición 2009 del Premio del Wildlife Photographer of the Year, un importante concurso dedicado a la fotografía de naturaleza.

Se trata de José Luis Rodríguez, un ávido fotógrafo que ha conseguido el galardón tanto en la categoría Retrato de Animales como en el premio mayor del concurso. Sin dudas, este profesionales es un experto en la materia y así es como con su Hasselblad 503CW y un objetivo Planar de 80mm lens ha conseguido tomas dignas de admiración.

Una de las ganadoras es esta fotografía en la que se puede ver a un lobo saltando sobre una cerca. Para la toma consiguió formar una barrera infrarroja fabricada por él mismo. ¿Las razones del reconocimiento? De acuerdo al jurado: “logró capturar la esencia del lobo ibérico”.

Vía: Caborian

Es una de las figuras más reconocidas de la fotografías mundial y sin embargo Annie Leibovitz está en problemas. Todo comenzó cuando el prestamista Art Capital Group demandó a la artista bajo el precepto de que ella no cumplió con un acuerdo que autorizaba a la empresa a actuar como agente en la venta de sus fotografías y bienes raíces.

La firma ganó el fallo y así es como la fotógrafa ahora está obligada a pagar un préstamo de 24.000.000 de dólares o bien perderá los derechos sobre sus trabajos, situación que marcaría el rumbo de grandes trabajos realizados para diversos medios como Vanity Fair, Vogue o Rolling Stone, como es el caso de la famosa foto en la que se puede ver a John Lennon desnudo abrazando a Yoko Ono en la cama y que fue tomada horas antes de ser asesinado. Leibovitz también ha retratado a las grandes estrellas de todos los tiempos, desde políticos hasta actores y cantantes.

Por ahora, se sabe que, para asegurar el préstamo, la fotógrafa puso en juego tres casas en Manhattan, una propiedad en el norte de Nueva York y los derechos de cada fotografía que haya tomado o que tomara en el futuro. De acuerdo a Art Capital Group, Leibovitz necesitaba el dinero para resolver una “funesta condición financiera derivada de sus obligaciones hipotecarias, gravámenes impositivos y cuentas por pagar de servicios proveídos y otros acreedores”.

Vía:MSN

Lejos de los trabajos fotográficos tradicionales la fotógrafa Mariana Cook ha desarrollado un interesante proyecto que nace cuando tuvo la ocurrencia de fotografiar a grandes personalidades de la matemática.

Así es como el trabajo Mathematicians: an outer view of the inner world invita a descubrir los rostros de quienes revolucionaron el mundo de los números en el último siglo, algunos de ellos grandes íconos, otros figuras desconocidas para la mayor parte del público.

El trabajo reúne 14 fotografías que vienen acompañadas con un audio que ahonda en los pormenores de estos profesionales, sus obsesiones, relaciones, desilusiones, etc. Entre las figuras se encuentra el genial John Nash, que inspiró la película Una mente brillante, Margaret Dusa McDuff, de la Universidad de Nueva York, David Mumford, un especialista en geometría e inteligencia artificial, y Noam D.Elkies, dedicado a la teoría de los números.

Las fotografías son en blanco y negro y destacan la personalidad de estos matemáticos que han dedicado su vida a la profesión.

Vía: Mathematicians: an outer view of the inner world

El fotógrafo Luciano Noble ha aprovechar el stock de fotos Polaroid que tenía para decorar su despacho, salón y los pasillos de su apartamento. Una idea original que le ha costado tiempo y mil fotografías hechas con Polaroid; más fotos en su cuenta Flickr.

Para lograr un efecto similar es necesario un buen paquete de fotos Polaroid, pero la idea es una buena alternativa al papel pintado… es algo así como vivir en medio de sus recuerdos. Aunque con tantas fotos, yo la verdad me pasaría el día viajando en el tiempo, saltando de una foto a otro, recordando buenos momentos.

El Museo Nacional d´Art de Catalunya se encuentra realizando una interesante muestra fotográfica que aborda los trabajos de Robert Capa y Gerda Taro, una pareja de fotógrafos que se ocuparon de registrar los conflictos bélicos de las décadas del ´30 y del ’40.

La exposición estará vigente hasta el próximo 27 de septiembre e invita a conocer el mundo de Robert Capa, uno de los fotógrafos más sobresalientes del siglo XX. A las numerosas fotos que conforman la exposición hay que sumar sus manuscritos, libros y revistas, testigos de su profesionalismo y pasión. No hay que olvidar que Capa es el autor de obras célebres como Muerte de un miliciano republica y La batalla del rio Segre.

En cuanto a Gerda Taro, es una fotoperiodista que también fue la primera mujer corresponsal de guerra. Su trabajo transcurrió a la sombra de Capa y su temprana muerte ocurrida a los 26 años de edad y cuando fue arrollada por un tanque no ayudó a que fuera recordada a lo largo del tiempo sin embargo también se ocupó de los conflictos bélicos, en especial a la Guerra Civil española.

Vía:Nikonistas

Un nuevo certamen fotográfico se asoma en la escena local y así es como quienes deseen participar del concurso Foto-Nikon 2009, destinado sólo a fotógrafos profesionales, deberán estar atentos pues la incripción es en estos días.

Precisamente, las fechas son entre el último1 de julio y el próximo 30 de octubre de 2009. Los interesados deberán enviar un máximo de 5 fotografía con la condición de que al menos una de ellas haya sido publicada en algún medio impreso o digital con fecha posterior al 31 de diciembre de 2007. Hay tres temáticas para elegir: Naturaleza, Deporte y Gente y Sociedad.

La competencia busca premiar y fomentar el arte de la fotografía y el ganador del premio mayor se llevará 6.000 euros además de la publicación de su curriculum y de la obra ganadora en un libro que se editará en el 2010 con una tirada de 20.000 ejemplares. Por otra parte, los 25 fotografías finalistas de cada categoría también participarán de este libro.

Un jurado conformado por 12 profesionales será el encargado de la evaluación que será comunicada el último trimestre de 2009.

Vía: Nikonistas