El recital era casi perfecto, sonido impecable, The Clash fluía con el empuje de su mejor momento creativo. Sin embargo algo atacó a Paul Simonon ese 21 de septiembre de 1979, en el Palladium de Nueva York. Fueron dos golpes, con el primero, el cuerpo de su Fender Precision rebotó contra el escenario; el segundo fue definitivo, abrió las piernas y con toda la rabia que encontró en sus brazos partió el instrumento en pedazos. Nunca antes había roto un bajo, y nunca volvió a hacerlo. Fue un impulso inconsciente, ni él sabe por qué hizo lo que hizo. La fotógrafa Pennie Smith, aplastada sobre un costado, capturó el momento. Fue un instante que se convirtió -para muchos- en la mejor foto de la historia del rock.

La banda estaba en plena producción de London Calling. Después de vivir momentos complicados y un sinfín de discusiones internas, los músicos habían logrado concentrarse en el estudio para componer un puñado de canciones brillantes, trabajadas en detalle desde los arreglos hasta la letra. El punk se consolidaba como un nuevo imperio británico, y ellos ya habían experimentado la fama y el fracaso: los dos extremos del péndulo. Paul Simonon, Joe Strummer, Mick Jones y Topper Headon, junto al excéntrico productor Guy Stevens, hacían historia encerrados en un estudio a fuerza de tomas directas. “Estamos tratando de hacer algo nuevo, queremos ser la mejor banda del mundo y a la vez ser radicales. Y quizás las dos cosas no pueden coexistir. Pero de todos modos lo vamos a intentar”, dijo Strummer a fines de 1978.

La sesiones de grabación eran interminables. Stevens -perjudicado por el alcohol y las drogas- revoleaba sillas y escaleras mientras la banda afilaba las composiciones. Fueron meses de una atmósfera tensa y de alto vuelo artístico. Ya no era cuestión de darle una vuelta de tuerca al punk, The Clash avanzaba con una revolucionaria fusión de ska, dub, reggae, rockabilly, soul y pop. Las letras eran como agujas en la médula de la sociedad inglesa de posguerra. La juventud volvía a mirar con entusiasmo los viejos principios del anarquismo. Se vislumbraban las grietas de un sistema fragmentado. Había mucho para decir.

Simonon nunca olvidó aquella noche del Palladium. La gira Clash Take the Fifth era un éxito. El público se abarrotaba de a miles en cada ciudad para conseguir entradas. El punk inglés elevaba el puño dentro de un mercado ávido por catapultar nuevas figuras. Lo de siempre: vender discos, firmar remeras, rebalsar estadios. Pennie Smith había sido contratada para hacer la producción fotográfica del nuevo disco. Caminaba el escenario de punta a punta, atenta a cualquier gesto, a cualquier movimiento que connote una actitud punk. Esa noche había estado casi exclusivamente sobre el costado de Jones, estaba más cómoda y la luz se proyectaba con mejor ángulo. Recién sobre el final dio la vuelta, justo cuando el Fender martilló las tablas.

“Iba todo bien. Pero algo adentro mío me decía que no, que las cosas no iban bien”, recuerda el bajista. Entonces la furia. El mástil, partido, quedó colgando entre las cuerdas. Y un pedazo del cuerpo saltó por los aires. Simonon recuperó apurado cada parte y salió del escenario arrastrando el instrumento. Estaba arrepentido. “Muchos dijeron que estaba todo armado para la foto. Es obvio que no. Ese Fender era el mejor instrumento que tenía. Si yo fuera inteligente hubiera roto el bajo de repuesto, que no era tan bueno como el que destrocé”, explica.

Al poco tiempo Smith y todo el equipo de The Clash se reunieron en Inglaterra para definir la portada del disco. Había un centenar de fotos, pero la decisión fue unánime. El diseñador Ray Lowry elevó el pulgar de inmediato, el resto de la banda también. Smith no. Se opuso terminantemente. Dijo que la foto estaba mal tomada, que el foco no era el correcto, que la luz estaba desequilibrada, que le parecía un despropósito usar una imagen técnicamente fallida. De más está decir que no le llevaron el apunte. Apartaron la imagen y comenzaron el trabajo de diseño.

La idea fue homenajear el álbum debut de Elvis Presley, por eso Lowry utilizó la misma tipografía y la misma composición gráfica. El diseño es bien simple: la foto de fondo, The Clash en letras blancas, London Calling en verde y rosa. Tan directo y efectivo. Los enlaces con la historia del rock son evidentes, además de Elvis, la foto se conecta conceptualmente con el ritual que inició Pete Townshend -guitarrista de The Who, el primero en despedazar un instrumento en vivo- a principios de los 60. Simonon asegura que en la música y en la pintura es muy fácil encontrar las señales del pasado. “Todo lo que sucede en la actualidad -dice- es una mezcla de lo que viene sucediendo a lo largo del tiempo. La foto de London Calling se remonta a la tradición de Townshend, a su violencia icónica fundamental para el rock. Igual que la tipografía. Cuando Elvis sacó ese disco, el rock and roll era algo peligroso para la sociedad. Lo mismo pasó cuando sacamos nuestro disco. Supongo que éramos algo bastante peligroso”.

La fotógrafa recuerda que vio a Simonon completamente desquiciado. Por eso se acercó apurada al otro costado del escenario. Hasta llegó a pensar que se había enojado con ella, porque se la había pasado toda la noche obturando. “Me puse casi al lado, el lente que estaba usando no lo refleja, pero me tuve que correr porque casi me golpea la cabeza con el bajo. Justamente, no está en foco porque me tuve que tirar hacia atrás”, apunta. Fue una toma sin mediar cálculos. Improvisada y exacta.

En el año 2002 la obra de Smith fue elegida por la revista Q como la mejor fotografía del rock and roll de todos los tiempos, bajo el argumento que “capturó el instante cumbre del rock, la pérdida total del control”. El bajo partido, desde 2009, está expuesto en el Salón de la Fama del Rock de Cleveland. Simonon cuando ve la foto todavía se lamenta, no sólo por haber destrozado su mejor bajo. “Me hubiera gustado levantar un poco más la cara”, suele decir.

1. TotallyCoolPix

Comienzo por mi favorito indiscutible. TotallyCoolPix es uno de los mejores rincones que podrás encontrar en la web para disfrutar de galerías que derriban mandíbulas. No se limitan exclusivamente a recopilar imágenes de sucesos y ocasiones especiales del año, sino que además incluyen homenajes fantásticos, galerías temáticas, fotógrafos invitados y resúmenes de la semana. Todo en fotos, claro.

2. Astronomy Picture of the Day

¡Un verdadero clásico! Muchas de las imágenes del Universo que te sorprenden día a día en blogs, Twitter y demás sitios, ya se han publicado en Astronomy Picture of the Day, la página oficial de la NASA para estas fotografías. Encontrarás a diario un pequeño retrato de las partes más impresionantes del Cosmos, con algunas precisiones interesantes sobre la imagen para que sepas algo más sobre la hermosa inmensidad que nos rodea.

3. Office Snapshots

Si bien no sigue con la línea despampanante que trazan los dos puntos anteriores, Office Snapshots puede llegar igualmente a sorprenderte. Estos muchachos se encargan de invadir las oficinas de las firmas más famosas para capturar todos los espacios posibles y enseñarnos dónde y cómo trabajan. Tanto si quieren quitarse la curiosidad como si quieren reventar de envidia, les sugiero que no dejen de pasar por allí.

4. The Big Picture (Boston Globe)

Hay dos tipos de periódicos online: los que adquieren varias imágenes aleatorias ajenas para hacer su galería “el día en fotos”, y… los que adquieren todo un set de imágenes relacionadas para publicar una galería temática. El diario The Boston Globe es uno de ellos, y dedica su sección The Big Picture a las imágenes más alucinantes sobre algún suceso particular, o reportajes gráficos especiales. Hay muchos haciendo lo mismo, pero The Big Picture es una de las secciones mejor armadas que podemos mencionar.

5. Worth1000

También hay algo para los fanáticos de los delirios. Worth1000 es una gran exposición de composiciones fantásticas (y me refiero a la fantasía), photoshop, e imposibles que se hacen posibles. El sitio organiza enormes concursos con temáticas particulares, y los participantes son aquellos que dejan estas increíbles imágenes para soñar con cosas que nunca nos hubiéramos imaginado.

6. In Focus (The Atlantic)

Otra sección recopilatoria de un periódico, en este caso The Atlantic. Se trata de In Focus, un apartado de reportajes gráficos súper atrapantes, para poder asimilar de manera visual algunos de los hechos, personajes e historias más importantes del presente y del pasado. Las galerías se publican con una frecuencia de 1-2 días con contenidos, muchas veces, inesperados. No puedes perdértelas de ninguna manera.

7. Beautiful Photos Gallery

Es una pena que este sitio no publique con tanta frecuencia como los anteriores, pero he decidido incluirlo en la lista simplemente por original y bello de sus recopilaciones. No hay reportajes especiales sobre la 2da Guerra Mundial ni los conflictos civiles de África en Beautiful Photos Gallery, pero sí te encontrarás con magníficas selecciones fotográficas de paisajes, animales, piezas de arte y momentos específicos a los que tampoco querrías renunciar.

8. Photography and Photos of the Day (National Geographic)

Para cerrar, no importa qué otros elijamos, National Geographic simplemente no puede quedar afuera. Por supuesto, sus galerías de imágenes están íntimamente ligadas con el medio ambiente, los seres vivos y los fenómenos naturales, así que si quieres ver fotos de animalitos en acción, aguas turquesas y atardeceres de película, no encontrarás mejor espacio que este.

Imagen: Photl

Fueron sólo 10 minutos. Los cuatro Beatles salieron del estudio de Abbey Road a las diez en punto de la mañana, el viernes 8 de agosto de 1969, con la ropa que llevaban puesta. El fotógrafo Ian McMillan se subió a una escalera en la mitad de la calle y les pidió que crucen normalmente, sin actuar, sin impostar el paso. Cruzaron cuatro veces, se hicieron seis tomas. Listo. Así de simple nació una de las tapas más famosas de la historia del rock.

Es sorprendente pensar en la potencia de semejante genialidad. A partir de esta foto se han elucubrado leyendas de todo calibre, incluso se ha llegado a afirmar que Paul McCartney había muerto, porque era el único que estaba descalzo, fumando y con el paso cambiado. El Volkswagen blanco estacionado, sobre la izquierda, tiene el número LMW 281F en la matrícula, supuestamente su edad al momento del fallecimiento. Puras habladurías, el auto pertenecía a un hombre que vivía en un piso exactamente al lado del estudio. Lo increíble es que fue vendido a un precio irrisorio, casi como chatarra en una tienda de usados. Pete Gante, dueño de una casa de instrumentos musicales, lo descubrió por casualidad y lo adquirió en el momento. Dice que el vendedor no conocía la historia del auto. Guardó la matrícula en su casa hasta 1986, año en que la subastó en la famosa casa Sotheby´s. Le dieron apenas 2600 libras esterlinas, había sólo dos interesados, las ofertas fueron más bien flacas. Casi 15 años después de la subasta Gante se dio cuenta que había hecho un pésimo negocio, que debería habérsela quedado porque hubiera sido una excelente publicidad para su negocio. El auto, con su respectiva matrícula, está expuesto actualmente en el museo de Volkswagen, en Wolfsburgo (Alemania).

Sobre la derecha de la imagen hay un hombre de pie, saco marrón, pantalón negro, camisa blanca y lentes de marco grueso. Se llamaba Paul Cole, falleció a los 96 años, en febrero de 2008. Su historia es sorprendente, él estaba de vacaciones en Londres con su mujer. Ella quería entrar a un museo, él no, estaba harto de ver muestras y exposiciones, prefería salir a caminar y tomar un poco de aire. Es así que paseando por el barrio llegó por casualidad hasta la puerta de Abbey Road, donde vio que un policía estaba cortando la calle, que cuatro muchachos estrambóticamente vestidos caminaban por el paso cebra y que un tipo subido a una escalera les sacaba fotos. La camioneta que está al lado de Cole es una unidad policial.

- ¿Qué está sucediendo acá?-, preguntó.
- Es un conjunto musical, están haciendo unas tomas fotográficas-, le respondió un policía sin bajarse del coche.

Cole observó la secuencia y siguió como si nada. Creyó que eran un puñado de locos, especialmente el del medio, que estaba caminando descalzo. Media hora después volvió al museo para encontrarse con su esposa. Al día siguiente volvieron a Deerfield Beach, donde vivían en ese momento. Un año más tarde Cole vio la tapa del disco en su propia casa, su esposa estaba aprendiendo a tocar una canción de George Harrison en el piano. No salía de su asombro. Le contó la historia a ella y a sus hijos. Obviamente no le creyeron. Hasta que fueron en busca de una lupa y disiparon las dudas.

Abbey Road fue el último disco que grabaron Los Beatles. Let it be salió un año después, pero era un disco cajoneado, originalmente grabado en 1968. La banda estaba en un momento delicado, las discusiones eran constantes, pero igual quisieron realizar un último trabajo. A diferencia de otros años, cada uno llegaba con las canciones preparadas, le decía al resto lo que tenía que tocar y grababan. Así de directo fue el proceso, igual que el de la foto. No hubo diseño ni ideas premeditadas, salieron a la calle, hicieron las tomas a toda velocidad y volvieron a entrar. En un principio la intención era que el disco si titule Everest y que el grupo viaje al Himalaya para hacer la tapa, pero el plan fue descartado casi de inmediato. No había ánimo para el viaje, sólo querían hacer música. Era la despedida, y ellos lo sabían.

Desde el punto de vista técnico, la foto no arrastra ningún misterio, fue tomada del modo más simple, sin flash, sin trípode, sin filtros, sin teleobjetivos sofisticados. Apenas un lente de 28 mm. McMillan hizo el encuadre sin perder el protagonismo de ellos cuatro y sin descuidar el entorno. John Lennon, Ringo Starr, Paul McCartney y George Harrison caminando de izquierda a derecha, sin mirar a cámara: esa fue la única consigna.

La portada de Abbey Road ha inspirado miles de imitaciones, desde grupos de rock hasta caricaturas, muñecos de juguete y turistas que viajan desde todas partes del mundo a posar en la misma ubicación que los músicos. Hasta el propio McCartney la parodió en su disco Paul is live (1993) [Paul está vivo], donde se lo ve paseando un perro pastor inglés, en clara contestación a los dimes y diretes de fines de la década de 1960. Sería imposible señalar la imitación más famosa, básicamente porque eso depende de la fama de los imitadores, pero una de las que más ruido ha generado es la de Los Simpsons, donde su creador Matt Groening se tomó la licencia de cambiar algunos mínimos detalles en el paisaje. También fue muy comentada la de los muñecos Lego, que tuvo decenas de versiones, algunas realizadas por la misma empresa, otras por los fans de lo ladrillitos.

Pasaron más de cuatro décadas desde que se hizo la toma, y aunque mucho se escribió sobre su historia, todavía siguen apareciendo anécdotas y reediciones. Y no es para menos, sin quererlo, los músicos plasmaron en una imagen simple y contundente el momento que estaban atravesando. Una despedida admirable: la síntesis exacta para un álbum perfecto.

Las imágenes hablan de aquellos que ya no están. Que desaparecieron. Que fueron desaparecidos durante la dictadura genocida que en 1976 se alzó con el poder político en Argentina. También hablan de los que quedaron. Hablan de lazos partidos. Son narraciones en dos planos. En una imagen hay tres personas, o dos. En la siguiente hay una sola, o ninguna. El mismo encuadre. Las mismas locaciones. Pero treinta años después de aquel atropello sistemático a los derechos humanos que se cobró la vida de 30.000 personas. El fotógrafo argentino Gustavo Germano es el autor de Ausencias, una muestra impactante que desde 2007 está recorriendo Latinoamérica y Europa. Él la define como un ejercicio de reflexión acerca de la temporalidad, como un umbral que acerca a los espectadores a un paralelo ilusorio, donde es posible tomar dimensión de lo que significa la desaparición de un ser.

La fuerza de Ausencias late en el concepto: hacer visible a quienes no están, mostrar un hueco congelado en la historia. Germano no se vale de mayores despliegues técnicos, tampoco se preocupa por ubicarse en primer plano como autor. Las imágenes vibran por su propia potencia. Tan sintéticas. Tan exactas. Eso es justamente lo que hace de la exposición una experiencia emocional que conmueve hasta las lágrimas.

El artista explica que la muestra es producto de una obsesión, tal vez la obsesión de todos los familiares de desaparecidos, y tiene que ver con el paso del tiempo, con el hecho de no haber podido verlos envejecer. Lo que intenta transmitir Ausencias es el tiempo que las víctimas de la represión no han vivido su vida, y el tiempo que los familiares vivieron sin disfrutar de su presencia. Germano es familiar de un desaparecido, cuando tenía once años secuestraron a Eduardo, su hermano, que en ese momento tenía 18. Diez años después comenzó a dar sus primeros pasos en la fotografía. Diez años después se le ocurrió la idea. Y casi diez años después pudo concretarla.

- ¿Por qué tardaste diez años?
- Sobre el final del menemato [Argentina 1989-1999] vi algunos trabajos, como el de Fernando Gutiérrez y el de Marcelo Brosky, que sirven como formas de ejercicio de la memoria, aunque desde el trabajo fotográfico las imágenes no lograban transmitir por sí solas sensaciones más profundas. Por el vértigo diario de la Argentina yo no podía encontrar la fibra sensible, no había estructura que ayudara al desarrollo del proyecto. Estando ahí me resultaba muy contaminante el ambiente y los intereses políticos.

- ¿Qué fue lo que cambió?
- En 2001 me vine a España, estuve yendo y viniendo el primer año. Recién hice pie acá en el 2003. En el 2005 tuve a mis hijos [los gemelos Pau y Manel] eso también fue un click, que me movilizó a pensar en la trascendencia, en la necesidad de decir quién era yo. No tenía ningún espacio donde militar, ahí resurgió el proyecto, entonces intenté conseguir otro financiamiento. A finales del 2005, ya con la puesta en marcha de los juicios en Argentina, y con una política muy fuerte en defensa de los derechos humanos, se había creado el marco necesario para que este proyecto se desarrolle. También conseguí financiamiento en España para hacer la exposición.

- ¿Cómo fue el trabajo con los familiares de desaparecidos?
- Los familiares siempre están dispuestos a hacer este tipo de cosas, todo lo que sea necesario para mantener viva la memoria. Eso es casi una ley. Lo que sí es verdad es que venían de muchos palos, manipulaciones, los juicios, la leyes de obediencia debida, los indultos. Por ejemplo, muchos prestaron fotos para otros proyectos y nunca se las devolvieron. Yo sé perfectamente lo que significa la imagen de un desaparecido, es la única imagen que te queda de un ser querido. Ellos tuvieron una gran confianza. También es verdad que en el desarrollo, en el momento de hacer la foto, teníamos que coordinar, elegir los lugares, los encuadres, en muchos casos los familiares no vivían en la ciudad de la foto original. Estuvimos muy metidos en esa vorágine de trabajo y no había mucho tiempo para ponerse a pensar. Pero cuando hacíamos las fotos era un silencio absoluto. Ahora que las fotos ya están hechas es más fácil explicar lo que queríamos hacer. La imagen por sí sola explica mejor que las palabras.

La producción de las imágenes fue realmente una experiencia intensa, Gustavo recuerda que durante las sesiones se vivieron momentos muy profundos. Por ejemplo en la reconstrucción de la fotografía del casamiento de Raúl María Caire y Luisa Inés Rodríguez. Gustavo pasaba los días compenetrado en las fotografías que iba capturando, casi sin atender otro asunto. Luisa es una mujer muy católica, al punto de conmoverse en las misas, cuando se entrevistó con el cura para pedirle que se sume al proyecto entró en razón de lo que iban a hacer. No pudo contener las emociones y rompió en llanto. Pasó el día llorando. Gustavo se enteró por teléfono de la reacción de Luisa. Al otro día tenían que hacer las tomas y casi no pudo dormir. Había pasado la noche llorando desconsoladamente. “Las emociones de todos estaban a flor de piel”, comenta.

- ¿Cómo elegiste la imágenes originales?
- Fue muy complejo. Fueron muchos elementos que se entrecruzaban. No tenía que ser una exposición que haga referencia únicamente a mi hermano, a Eduardo. La idea era transmitir el sentido colectivo de la tragedia. Entonces, la elección de los fotografiados tenía que ver con mostrar ese universo, que hubiese estudiantes, colimbas, abogados, maestros. Otro elemento era el vínculo de las personas que están en las fotos, por ejemplo los padres con sus hijos, hermanos, amigos. Dentro de estos elementos, también el hecho de la fotografía en sí misma, por ejemplo había que compensar los interiores con los exteriores, lo más difícil era conseguir fotos de exteriores. No fue fácil armar ese rompecabezas porque tenía fotos que estaban bien en la idea pero no estaban las personas que tenía que convocar. Fue un trabajo que llevó bastante tiempo. Fue trabajar con el material que fuimos encontrando, las fotos antiguas no las podés inventar, tuvimos que seleccionar dentro de lo que fuimos consiguiendo.

- Desde lo técnico, tus fotografías copian la imagen original, no agregan otro recurso. ¿Cómo trabajaste esa decisión?
- Fue un elemento importante de definir. En la prehistoria del proyecto se plantearon estas cuestiones, si había que hacer fotos con equipos de iluminación, montar todo un set para cada situación o si esto iba a alejar mucho la imagen actual de la original. Yo por formación fotoperiodística me movía mejor en la posibilidad de copiar la técnica de la foto original, por supuesto sin cometer los errores que arrastran, las fotos son caseras y muchas han sido reveladas de un modo muy precario, algunas están mal fijadas, tienen manchas, que es común en el revelado manual. Por ejemplo, si la foto original no tiene flash, la mía tampoco. Continúe la misma técnica pero con una calidad más homogénea. Por ejemplo, decidí que todas las fotos actuales fuesen en color, más allá de que las originales algunas fuesen en blanco y negro. El concepto fue señalar así la actualidad las nuevas fotos, que son una repetición. La técnica está supeditada al concepto. Hacer un desembarco de equipo no hubiera logrado conseguir esa intimidad entre el fotografiado y el fotógrafo, había que ganar un marco de complicidad. No es una gran producción fotográfica sino un acto de memoria, reivindicación y denuncia. Una pretensión excesivamente técnica hubiera perdido esta cuestión casera e intimista. Había que conseguir una continuidad.

- Ausencias tiene una carga emocional muy fuerte. El público reacciona inmediatamente frente a la imágenes. ¿Qué devolución tuviste de los espectadores?
- Te cuento una anécdota. Cuando comencé a moverme con la idea de Ausencias presenté el proyecto en Casa América Catalunya. Todavía no tenía ninguna foto. Ellos se interesaron, entonces fui a la Argentina en agosto del 2006 e hice un par de pruebas. A la directora adjunta, cuando le muestro las primeras imágenes, se le escapó una lágrima. Uno está tan metido adentro de su arte que no ve lo que ven los espectadores. Ella fue la primera que se enfrentó ante estas fotos. Ahí me di cuenta de que se trataba de un material altamente sensible. Lo que más me sorprende es la gente joven. He recibido, por ejemplo mails de una chica italiana de 18 años, que no sabe porqué pero le interesa el tema y me habla de una emoción que es sorprendente. En Madrid lo mismo, gente que salía llorando de la muestra. Son fotos que generan mucha empatía porque podrían ser fotos de cualquiera.

- Lo que es increíble es que funcione tanto en Argentina como en cualquier otro país…
- Sí, es cierto. El punto es que es un trabajo que no necesita explicación, no hay que traducirlo a ningún idioma. Ese es el comienzo. En Italia y en Suiza la reacción ha sido más o menos la misma. Si tiene un mérito es que no necesita una decodificación, ni en el arte ni en palabras, porque parte desde las emociones. El link lo hace la gente frente a las imágenes.

- Un punto muy fuerte de la muestra es también el diseño gráfico, muy ajustado al concepto. ¿Cómo se dio ese trabajo?
- El diseño gráfico lo hizo Vanina De Monte, entrerriana, que es mi mujer y la madre de mis hijos. Ella no tiene una relación directa con la temática como en mi caso, pero creo que el resultado de lo que hizo es de una gran capacidad de compenetración y compromiso con el proyecto. Y muy profesional, porque le da una marca propia a la exposición pero no pretende sustentarse por sí sola. El diseño está en su función y no en el sustento en sí mismo. Esta síntesis que logró quitando el palo de la i es tan sencillo como el artilugio o el recurso de volver a hacer la foto sin la persona desaparecida. Está emparentada a lo simple, a lo sencillo, está en armonía con el proyecto. Ella venía trabajando el paralelo con las fotos, en el reencuadre, y se fue metiendo en el proyecto hasta que dio con este recurso.

- Me enteré que te llamaron de Brasil para hacer el mismo trabajo, obviamente con los desaparecidos de allá. ¿Cómo vas a encarar esa propuesta?
- Es cierto, hay una propuesta para hacer el mismo trabajo en Brasil. Posiblemente las fotos se hagan en junio o en agosto. Estamos recolectando imágenes e historia, para saber cuáles se hacen. El proyecto está aprobado y el dinero otorgado a una productora de San Pablo. Esto se enmarca dentro de la idea de poder trabajar el tema de los desaparecidos, que funcionen solas o en conjunto con otras. La intención es ir también hacia Chile, Uruguay y Paraguay. Queremos ir avanzando por Latinoamérica en los próximos años.

El recorrido de Ausencias

La muestra se encuentra expuesta en Mar del Plata, desde el 22 de marzo, en el Teatro Auditorium. A principios de mayo se trasladará a Buenos Aires. Después visitará la ciudad de Pelotas, Brasil. Paralelamente hay una serie con las mismas imágenes que está girando por Italia. Entre 2007 y 2011 ya recorrió España, Suiza y Alemania entre otros países europeos. “La gira continúa. Es una muestra que nunca está quieta”, dice el fotógrafo.

Fotografías: Andrea Carboni
(excepto las originales de Ausencias)

A primera vista, los cuadros del argentino Helmut Ditsch parecen fotografías, pero sería un grueso error definirlos de ese modo; hasta sería incorrecto encasillarlos como hiperrealistas. Sus lienzos, de dimensiones monumentales, son una representación cuidada de un escenario natural: el mar, el desierto, los hielos continentales, cada uno seleccionado de acuerdo a la búsqueda emotiva. Su trazo es único y sus composiciones sorprendentes, para concebir, por ejemplo, su célebre obra Mar II (2005) utilizó más de 550 tonos de azules. Esta pieza se ha convertido hace pocos meses en la mejor cotizada de la historia del arte argentino, se pagó casi un millón euros, cifra que ubica a Helmut Ditsch por encima de Antonio Berni y Guillermo Kuitca, entre otros grandes exponentes del arte pictórico argentino en el mercado internacional. Su obra plantea un desafío al avance de la tecnología, dibuja, crea en ritmo con la sensibilidad.

Aún así, Helmut no le dedica ni una fracción de segundo a los indicadores del mercado. Su respuesta es categórica en este sentido: “Al mercado me lo paso por las bolas”. Su voz suena tranquila, convincente, su discurso está alejado de las típicas poses del artista de elite. De hecho, su camino está dirigido exactamente hacia el lado contrario, hacia el arte popular.

- ¿Qué desafíos te propone el hecho de ser el artista argentino mejor cotizado de la historia?
- El mercado de mi obra no existe, porque nadie especula con el precio de mis cuadros, no hay obra mía en el mercado, eso es lo mejor que me pudo haber pasado. Puede que mis obras sean las que tienen el valor nominal más alto, pero el valor no se mide en cuestiones nominales, sino por lo afectivo, lo artístico, lo universal. Es una anécdota que sucedan estas cosas. Además es paradójico, porque yo sólo busqué ser feliz con la pintura, nunca me interesó el dinero. Me crié con ese pensamiento. Eso me hizo fuerte para poder generar todo esto. Hoy estoy acá, en el lugar donde yo comencé.

Helmut habla de la plaza, el espacio público por excelencia. Su obra está expuesta en una galpón espacioso, en el corazón de una plaza ubicada en una zona comercial de la ciudad de Mar del Plata. Todos los días, desde que la muestra abre sus puertas, hasta que se va la última persona, Helmut pasea entre los cuadros, saluda gente, responde preguntas, firma autógrafos. Quiere sentir la devolución del público en persona, quiere palpar las reacciones cara a cara. Quiere estar ahí, cuando sucede el intercambio entre la obra y el espectador.

- ¿Quiénes son hoy tus coleccionistas?
- Desde los tiempos en que vendía obra en las plazas mis coleccionistas están al lado mío. Ellos son fanáticos, son mis mecenas. Entre todos generamos una mentalidad empresaria, estamos juntos en esto, el nombre de ellos está pegado a mi obra. Todo esto surge del pueblo.

- Alguna vez te escuché decir que no le venderías obra a cualquier empresario ni a cualquier museo. Que preferís mostrar gratis en lugares populares. ¿A qué se debe esta decisión?
- Eso es ser consecuente con mi propio pensamiento político, con mi destino. Yo no necesito dinero, soy artista del pueblo. Yo soy feliz si me das un pincel, un lienzo, un piano y así crear mi propio mundo. Quiero estar cerca de la gente, en lugares de inclusión social.

El desencanto con el micromundo de las galerías de arte lo alejó de la escena a mediados de la década de 1980: se dedicó a la escalada extrema, especialmente en la Cordillera de los Andes. En 1988 decidió regresar, se trasladó a Viena donde finalizó sus estudios artísticos. En 1993 dio a conocer su primera obra en gran formato; se habían abierto las puertas hacia un estilo propio, reconocible y valorado en el mundo entero. A pesar del éxito, el año pasado, Helmut comenzó a sentir que Europa ya no era el lugar indicado para continuar con su trabajo.

- ¿Por qué decidiste volver a la Argentina?
- Los artistas tenemos una antena que percibe lo que se viene. Durante los 90 nunca tuve la premonición que tenía que volver a la Argentina. Todo lo contrario. Ahora sí siento que tengo que estar acá, por una razón que supera mi conciencia. Recién ahora entiendo porqué: se están dando situaciones en la sociedad argentina donde yo encastro perfectamente como artista alternativo, como una vanguardia de pensamiento que fui creando. Esa es una militancia cultural desde donde quiero aportar.

- ¿Qué sentiste en los últimos años en Europa?
- Que no pasa nada. Acá, en Latinoamérica, es donde suceden las cosas hoy. Estuve en Venezuela, en Brasil, pero es notable lo que está pasando en la Argentina, el pueblo tiene una energía impactante. Acá todo se mueve, todo está girando. Allá está todo estancado, especialmente en los ambientes intelectuales. Yo los conozco, están ahí, letárgicos, son momias. Ya no tiene sentido invertir el tiempo en lugares donde uno está solo. Acá estoy en medio de una marea, de una gran movida que está anclada en el pueblo.

- ¿Cómo sentís a la gente que se acerca a tu obra?
- Me gusta eso de que los espectadores sean testigos del artista. Se genera una relación fantástica. Estoy todo el tiempo intercambiando sensaciones. Me doy un baño popular, es adrenalina pura para mí.

La reacción del público frente a las obras de Helmut Ditsch es siempre la misma, como si todos se hubiesen puesto de acuerdo: primero se paran a una distancia de dos o tres metros para contemplar los cuadros en toda su magnitud y de a poco se van acercando hasta intentar tocar el lienzo. Es tal el impulso de querer tocar la obra que hubo que pegar en el suelo una cinta blanca a cincuenta centímetros para advertir que no está permitido meter los dedos en la tela. Y aún así, hay muchos que desobedecen.

- ¿Definís tu obra como hiperrealista?
- No, claro que no. El hiperrealismo nunca llegó a ser una escuela, es una técnica. Lo mío es realista sin ser paisajista, es un realismo emotivo. De hecho, cuando el espectador ve mis obras lo primero que siente es un choque emocional, recién después llega la mirada analítica, recién después se pregunta cómo hice para construir esa imagen.

- ¿Cómo hacés para equilibrar, en el proceso creativo, lo técnico y lo emocional? ¿Cómo se logra una obra de este estilo sin caer en la frialdad del tecnicismo?- A muchos se les cae la palabra foto cuando ven mis cuadros, pero es mucho más que eso. Por ejemplo, dos nenitas de cinco y seis años, hace unos días, me dijeron que yo pinto ventanas. Esa fue la definición más sintética y ajustada que escuché de mi obra. O sea, una realidad, una vivencia. Ellas no tenían que tocar ni cuestionarse nada. La estética, la belleza, se reconocen por su propia potencia. Lo técnico es una simple herramienta.

- ¿Cómo llegás a preparar los 550 tonos de azul? ¿Cómo es tu relación con el trabajo artístico que hay detrás de cada obra?- Soy muy celoso de mis pinceles, los tengo que lavar yo. La parte ritual es mía. No soy conciente de lo que hago, no es racional. Esa cantidad de colores puede dar a pensar que es pura técnica, pero la acción es un estado de trance. No sé de dónde sale esa cantidad de colores. Mi sensores me permiten encontrar lo que necesito: eso es lo único racional, sé cuántos kilos de pintura voy a usar, eso es matemático, proporcional. Con eso ya tengo suficiente para mi viaje astral, es como si me encerrara en un claustro donde estoy viajando, donde entro en trance. La pintura es mi oxígeno. Yo tengo una forma muy homogénea de pintar, tengo que adaptar mi biorritmo a mi arte, eso es muy duro, sólo se logra cuando uno entra en trance con lo que está haciendo.

- ¿De qué otras cosas te nutrís?
- Toco el piano, hago mis composiciones musicales, que es algo que poco se conoce de mí. También tengo mis musas inspiradoras, muchos a nivel político, pero también fenómenos internacionales, por ejemplo en algún momento Michael Schumacher, este corredor que ganaba todo, me inspiraba en mis creaciones, ahora el caso de Messi. Es como el enamoramiento, me motivan los fenómenos populares.
- ¿Cómo te llevás con la crítica y con la elite del arte internacional?
- Para mi el arte es la voz del pueblo en la máxima expresión, no la elite excéntrica, ni los snobs. Esa elite no representa ni siquiera a los artistas. El artista que nace de las bases no se siente representado por esa voz, somos un montón, yo no soy el único. La mayoría está afuera. Prefiero estar con la mayoría por una cuestión de supervivencia.

Programas para insertar marcas de agua

Empezamos con FastStone Foto Resizer. Sinceramente, sólo le veo ventajas a FastSTone Foto Resizer porque no sólo es que sea gratuito sino que tiene multitud de funciones. A la ya esperada función de insertar marcas de agua, se le añaden otras como rotación, crop (cortar un trozo de la imagen), añadir texto o aplicar efectos a los bordes entre otras. Si esto ya de por sí es interesante, más interesante resulta el hecho de que, a efectos de añadir marcas de agua, podemos añadir la marca de agua a tantas fotografías como queramos de manera simultánea.

Nada de tener que hacerlo manualmente fotografía por fotografía. El único inconveniente quizás es el idioma, puesto que se encuentra en inglés y esto puede que no se accesible para muchos. Así mismo, se trata de una aplicación que bien podremos instalar en nuestro ordenador o usar la versión portable (mismas prestaciones) que no precisa de instalación y que puede ser transportada en un pendrive USB. Y bueno, el programa no incluye ningún tipo de logotipo publicitario del programa a las imágenes como sucede con otros programas.

En el lado opuesto tenemos a Watermark Image, un programa que a diferencia de FastStone Resizer es de pago. ¿Aporta alguna ventaja respecto a FastStone Foto Resizer? Pocas, a decir verdad. Permite tratar multitud de imágenes de manera simultánea y, al mismo tiempo, retocar otros aspectos de las fotografías como puede ser la resolución o la calidad de las fotografías. Es algo mejor en cuanto a retoque de las fotografías porque incorpora más opciones, pero para un usuario que no pide gran cosa no resulta esencial ni fundamental para insertar la marca de agua.

Internet: ¿qué webs puedo usar para meter marcas de agua a mis fotografías?

WaterMark Tool. El caso de WaterMark Tool es uno de los más sencillos de usar pero tiene bastantes limitaciones. Para empezar, para aquellos que disfruten del servicio gratuito sólo podrán subir fotografías de máximo 200 Kb (si la fotografía es de alta resolución… la hemos liado) mientras que si optamos por pagar por el servicio (no recomendable) el tamaño por imagen se eleva a los 10 Mb. Eso sí, en cualquier caso se podrán subir hasta 10 imágenes de manera simultánea. Lo más interesante de WaterMark Tool es que además de insertar una imagen como marca de agua, podemos introducir texto a modo de marca agua personalizando el mismo con fuente, tamaño o color, por ejemplo.

PicMarkr. PicMarkr, con un diseño bastante similar a Flickr, también cuenta con una versión de pago pero tiene muchas más opciones. Para empezar, se pueden subir hasta 5 fotografías de manera simultánea pero con la ventaja añadida de que podemos subirlas directamente desde Facebook, Picasa o Flickr (y sin límite de tamaño por fotografía, sólo en el conjuto de las mismas: 25 Mb). Permite que la marca de agua sea de texto (personalizándolo) o bien una fotografía… pero además de esto, podemos hacer que la marca de agua se repita infinitamente a lo largo de toda la fotografía.

Programas o Internet, ¿cuál es el mejor método?

Ésta, digamos, que es la eterna pregunta. Cada método tiene sus ventajas que son consideradas dependiendo de las circunstancias en las que nos encontremos y lo que queramos hacer. Cuando se trata de un número pequeño de fotografías a las que queremos insertar la marca de agua (generalmente, máximo unas 5 fotografías), algo eficiente y que puede ayudarnos es usar las webs anteriormente mencionadas. Algo sencillo, práctico y si no queremos nada demasiado complicado (si la marca de agua es de texto, las webs no permiten personalizarlo tanto) es lo idóneo.

No obstante, si tenemos un número de fotografías importante o bien queremos darle un toque más profesional, lo que debemos hacer es usar un programa y en este caso el más recomendado es FastStone Foto Resizer, porque al hecho de ser gratuito se le suman las altas posibilidades de personalización de las imágenes. Además, el programa cuenta con otra ventaja clave y es que posee una versión portable del mismo que podemos llevar a donde sea en nuestro pendrive, por ejemplo.

Añadir marcas de agua a archivos PDF

No es lo habitual, pero seguro que muchos habréis visto algún archivo PDF que lleva “unas letras” en medio del documento que dificultan ligeramente la lectura. Pues sí, a los PDF también se les puede poner marcas de agua y para eso podemos usar, por ejemplo, una web llamada PDFaid. El funcionamiento es sencillo, subes el archivo PDF (tamaño máximo de 10 Mb) y sólo queda añadir la marca de agua que queremos añadir.

Se puede configurar casi todo: desde el texto (obviamente) hasta la posición de la marca de agua, la rotación del texto, color, tamaño de fuente, etc. Además, en esta misma web también tienen otras aplicaciones relacionadas con los archivos PDF como exportar de JPG a PDF o bien juntar o dividir varios archivos PDF.

Posibles usos de las marcas de agua

Bueno, de todo lo anterior ya podéis deducir alguno de los usos que podemos darle a añadir una marca de agua en la fotografía. Yo, personalmente, estoy en contra del uso de marcas de agua porque, de algún modo, estropean la fotografía. Claro está, yo no soy fotógrafo profesional y no me gustaría que mis fotografías fuesen publicadas en webs y ni siquiera se me citase como autor de las mismas. Por eso mismo, aquí repasamos algunos de los principales usos de las marcas de agua digitales:

Proteger las fotografías. Evitar que sean usadas por otros medios de comunicación que encontrarán ciertos reparos al usar fotografías que contengan marcas de agua.

Indicar la autoría. Suele ser el uso más habitual: indicar a los que visualicen las fotografías la autoría de las mismas.

Símbolo de identidad. Dificultar, en la medida de lo posible, que las imágenes puedan ser manipuladas (recortadas, modificadas) por otras personas.

Estamos en la recta final, a poco de finalizar el año y ya comienzan los resúmenes del año. En medio de este clima, los amantes de la fotografía pueden disfrutar de esas grandes recopilaciones anuales que destacan lo mejor de estos últimos 365 días vividos.

Entre ellas está la selección realizada por la revista norteamericana Popular Science quien ha destacado a las mejores fotos científicas de este 2009 y que podéis apreciar en éste enlace.

Entre las imágenes destacadas, se pueden encontrar tomas de lo más variadas, desde el vello de un oído interno, una nebulosa planetaria con forma de mariposa capturada con el telescopio espacial Hubble de la NASA, la explosión del volcán Chaitén que sucedió en los primeros meses del año en Chile o un robot que expresa sentimientos.

Vía: PopSci

Y siguen los lanzamientos en materia de marcos digitales. Si hay uno que quizá capture la atención es este dispositivo que podéis ver en la imagen superior. Se trata de un producto con el sello de Samsung, fabricante experto en pantallas para ordenadores, razón por la cual la calidad de la imagen en este caso no será un problema.

Por el contrario, el Samsung 800P ofrece una pantalla LCD retroiluminada de 8 pulgadas de tamaño con una resolución de 800 x 480 píxeles.

Es un portarretratos completo dado que además ofrece conexión Bluetooth, un control remoto y es compatible con tarjetas de memoria microSD.

De momento, el 800P sólo está disponible en el mercado coreano, en donde será lanzado próximamente. Aún no hay noticias si también cruzará las fronteras para llegar a Europa.

Vía: Engadget

Cada vez hay más dispositivos que dejan de ser meros periféricos para transformarse en cacharros que pueden usarse sin el ordenador como intermediario. Uno que, imagino, os interesará es el Reflecta x4-Scan, un escáner que ha presentado la firma Reflecta GMBH con la idea de transformarse en un dispositivo de cabecera para quienes desean escanear imágenes en cualquier sitio.

Este escáner opera gracias a una batería de litio y ofrece una pantalla LCD de 2.4 pulgadas y una ranura para tarjetas de memoria SD y SDHC. A la hora de las digitalizaciones, se ocupa de escanear las películas 35mm a 1800 dpi en apenas dos segundos, con una calidad de resolución de 5 megapíxeles. Luego las imágenes pueden ser transferidas al ordenador mediante su puerto USB. Pequeño y compacto, es un accesorio interesante sobre todo si estamos de viaje o sin acceso a nuestro ordenador.

Su precio es de 139 euros.

Vía: Reflecta

Quienes gustan de las fotografías inéditas y personales sin dudas no pueden perderse de la Hahnemühle Anniversary Collection’s 2010, una muestra fotográfica itinerante que recorre las capitales más importantes del mundo para mostrar instantáneas únicas que han sido capturadas por diversos fotógrafos del mundo.

Este evento nació a partir del concurso Anniversary Photo Awards, organizado por la firma Hahnemühle hace tiempo cuando la empresa buscaba una competencia a través de la cual los fotógrafos mostraran su visión personal y única de las personas, los objetos y las atmósferas desde las perspectivas más originales posibles. Así fue como bajo la temática “para originales” nació este concurso que luego cobró dimensión y se transformó en una importante muestra.

La exposición comenzará en Sydney el próximo 10 de febrero y seguirá por Beijing, Berlín,Toronto, París, Londres, Nueva York, hong Kong y el próximo Photokina de Colonia, donde entre el 21 y 26 de septiembre de 2010 se exhibirán a las fotografías ganadoras.

Vía: Photography Blog

Los cenotes son parte del paisaje de México. Para quienes no han tenido la oportunidad de visitar el país, el nombre cenote proviente de la cultura maya y significa “caverna con agua”. En realidad, se trata de una dolina o depresión geográfica que se encuentra en algunas cavernas profundas y resultó inundada como consecuencia de haberse derrumbado el techo de una o varias cuevas.

Por lo general son circulares y con paredes abruptas, en algunas de ellas incluso se permite nadar. Algunos cenotes de la Península de Yucatán están conectados al mar y luego hay otros, como el Cenote Angelita, que sorprende pues a unos 30 metros de profundidad se asoma un río con pequeñas islas.

El buceador Anatonly Beloshchin logró capturar la magia de este río bajo el agua a través de un conjunto de bonitas instantáneas. Si bien el río parece muy real, en realidad se trata de una capa de sulfuro de hidrógeno que se produce por la descomposición de los desechos vegetales que caen desde la selva y establece una separación entre aguas con distinta salinidad.

Os dejo con esta galería fotográfica para poder disfrutar del encanto de la naturaleza:

Vía: Izimile

Las fotografías durante la Segunda Guerra Mundial no eran un asunto menor, no sólo servían para eternizar una contienda feroz sino que funcionaban a modo de estrategia para los ataques en territorio enemigo.

Por entonces, era común que los aviones espía tomaran cientos de fotografías para luego establecer la mejor forma de ataque, organizada con precisión y coraje. Uno de los mejores ejemplos de estas fotografías tomadas por espías expertos en la materia llega de la mano de la National Collection of Aerial Photography del Reino Unido, un organismo que ofrece unas 4.000 tomas realizadas por los pilotos de la RAF durante la Segunda Guerra Mundial.

A través de estos documentos es posible advertir el coraje de estos fotógrafos que se adentraban en territorio enemigo completamente camuflados. Algunas tomas son sorprendentes dado que están tomadas a muy corta distancia.

Para ver las imágenes, ingresad aquí.

Vía: The Independent

Es uno de esos libros de fotografía pensados para fanáticos de la música. En Taking Aim: Unforgettable Rock & Roll Photographs Selected, Graham Nash realiza un recorrido visual por el mundo de la música y así es como ofrece un compilado de fotografías tomadas por 40 fotógrafos a diversas personalidades de la música del mundo.

Editado por Chronicle Books, se trata de una publicación que ofrece una mirada muy pluralista de los músicos y cantantes de las últimas décadas pues cada toma ha sido capturada bajo la mirada personal de un fotógrafo. Así es como podemos ver fotos de los grandes genios del rock n´roll como Bob Marley, Emmylou Harris, Johnny Cash o Los Beatles. En algunos casos, las fotos relatan diversos momentos en la vida de los artistas.

El libro viene con un CD en el que Nash reflexiona sobre cada una de las imágenes que aparecen a lo largo de sus 128 páginas. Su precio es de 50 dólares.

Vía: Photography Blog

Graciosos, simpáticos, amigos del hombre. Los monos son quizá los grandes aliados del ser humano, los animales que más se nos parecen tanto en lo que hace a su aspecto físico como a su desarrollo. Tal vez por eso las fotografías de monos son tan atractivas. En ellas se los puede ver interactuando, observando los alrededores o simplemente reposando.

Para quienes disfrutaron de las fotografías de mariposas que os presenté en el día de ayer, hoy traigo una nueva selección de capturas de animales. En este caso, hablamos de diversas tomas realizadas a los monos en su hábitat. Como podrán ver en algunas de ellas el retoque digital se puede palpar a simple vista pero hay otras que están bien logradas.

Si os gustan estos animalillos podéis ver las tomas en el siguiente enlace.

Vía: Ezzal

Cuando hay un experto detrás de la lente que se ocupa de capturar a los animales con precisión los resultados suelen ser asombrosos. Algo similar sucede con las fotografías de insectos, esas que pueden demorar horas pues hay que aguardar a que las criaturas permanezcan en un lugar durante algunos segundos.

Pero hay algunos fotógrafos que logran dar en la tecla, como es el caso de los profesionales que han capturado estas maravillosas tomas que revelan toda la belleza de las mariposas.

Lamentablemente, no hay información de los profesionales pero sí mucho por disfrutar. En ellas se pueden ver a los insectos con sus grandes alas y toda la riqueza de colores. ¿Si han sufrido algún tipo de retoque? Nadie lo sabe aunque es probable que los archivos hayan sido manipulados aunque más no sea para dar con la calidad deseada.

Vía: Ezzal