Carlsberg decidió comprobar cuál sería la reacción de unas cándidas parejas al enfrentarles a este peculiar desafío. Tuvo lugar en una de las salas del cine Kinepolis de Bruselas y, no tiene desperdicio, las reacciones de las parejas son autenticas. ¿Superarán este pequeño reto de la vida cotidiana?

Si te fuera a pasar algo así,… ¿qué harías? Piensa en todos esos momentos incómodos con los que uno se topa en su camino, esas pequeñas pruebas que te da la vida. Carlsberg apuesta por esas oportunidades de demostrar valentía y piensa que te mereces una recompensa por seguir adelante, piensa que te mereces una Carlsberg.

Y ya lo creo que me merezco una, y más por los tiempos que corren. No necesito ser un héroe, tan sólo colgar mis prejuicios y superar día a día los retos que me ofrece la vida, pasarlo bien siendo yo mismo… no importa si odio mi jefe o si he pillado un atasco, lo importante es salir airoso y seguir luchando. Y un buen sitio para empezar, con diversión, es la página de Facebook de Carlsberg España.

Son dos variables complejas, primero ubicarse en los recovecos imposibles del mundo, después observarlos con ojo de artista. Es cierto que las fotografías del estadounidense Clark Little tienen mucho de azar -no hay demasiadas posibilidades de fotometriar o hacer encuadres muy pensados en el corazón de una ola de cinco metros de altura-, aun así el resultado es asombroso; además de los colores y el impactante efecto de transparencias, el secreto parece estar en el peligro que contagian las perspectivas, un cruce claustrofóbico de luz, arena y toneladas de agua. Casi sin querer, sus imágenes comenzaron a aparecer en medios de llegada internacional. El resto avanzó solo. Hoy dos obras suyas están expuestas en el Museo Smithsonian de Washington, dentro de la muestra Oceans Photography Award, que puede visitarse hasta el domingo 25 de septiembre.

La aventura comenzó en 2007. Little dedicó más de quince años de su vida al surf, nació en 1968, en Oahu, Hawaii, participó en torneos y hay quienes lo señalan como uno de los pioneros en surfear superficies de alto riesgo, muy próximas a la orilla. Su mujer le pidió una fotografía del mar para decorar la habitación, Little, aprovechando su experiencia como surfista, hizo la toma desde adentro del agua; sorprendido por los resultados, el próximo paso fue cambiar la tabla por una cámara y un par de patas de rana. Fue un quiebre definitivo: hace cuatro años que recorre las costas de Estados Unidos, Brasil, Canadá y Japón experimentando con la fotografía.

Little utiliza un equipo simple, liviano y resistente. Por lo general, elije las cámaras Nikon D200, D300 y D3, con un lente ojo de pez de 10.5 mm. Las carcasas protectoras se las fabrica exclusivamente Taro Pacual [Water Housings Hawaii], un especialista que también trabajó en la tecnología utilizada para filmar la serie Lost, Hawaii Five-0 y Bay Watch, entre otras. Es fundamental -explica- contar con un equipamiento sólido, para hacer determinadas tomas tiene que soportar violentos revolcones que lo mantienen bajo el agua casi un minuto. En promedio, para cada ola obtura entre 9 y 10 veces. Su objetivo principal es lograr una buena fotografía, pero nunca descuida su integridad física. Con los años logró entrenar el ojo para reconocer qué ola vale la pena capturar, pero hay muchas que descarta, por más perfectas que sean, porque sabe que puede salir lastimado (especialmente en fondos de coral) o directamente ahogarse.

No sigue ni el cinco por ciento de sus disparos, entra al agua nadando, ubica la cámara en el lugar justo y obtura. Tal vez en una tarde, en dos o tres horas, hace cerca de mil tomas. Recién cuando llega a sus casa y baja las fotos al ordenador puede ver con tranquilidad el resultado de su trabajo. El principal obstáculo son las condiciones meteorológicas, hay días nublados que destruyen la iluminación, y a pesar de que usa flashes especiales es imposible lograr imágenes óptimas. Hay otros días, en cambio, que un par de minutos son suficientes para armar una colección completa.

La habilidad para posicionarse y sostener el peso del cuerpo en medio del oleaje es un legado directo de sus años como surfista. No es sencillo -apunta- hay que saber filtrar monstruos de espuma y esquivar los grandes picos nadando por debajo de la marea. El tiempo y los reflejos rápidos son esenciales, hay días que las ondas son gigantescas, por eso nunca hay que perder el control del cuerpo ni la tranquilidad, porque cualquier error repercute en la capacidad de aguantar la respiración bajo el agua, lo cual puede ser, directamente, mortal.

Su lugar preferido para fotografiar, o al menos dónde más cómodo se siente, es la orilla. Según dice, es una zona de cambios constantes y se forman los mejores colores en la fusión de la espuma, la arena, el sol y el agua. Mar adentro el paisaje es homogéneo, aunque también tiene su encanto. Una de sus fotos más conocidas (está expuesta en el Smithsonian) es Dancing honu, donde retrató a una tortuga gigante que atraviesa el mar por debajo del oleaje. Esa foto, por ejemplo, fue tomada a mitad de camino. “El mar es impredecible, hay variaciones de formas, tamaños y velocidades. Sé que cada fotografía va a ser única, pero si me aburro tengo siempre la playa o los animales de los alrededores. De hecho, las fotos de tortugas aparecieron en la búsqueda de hacer algo nuevo. Uno nunca sabe dónde va a terminar. Lo importante es dejar llevarse por la diversión”, agrega.

Little tiene siempre el oído atento a los comentarios que hace el público sobre su obra, lo que más percibe es el impacto que causa el hecho de encontrar belleza en un paisaje natural tan efímero e inalcanzable. Desde su punto de vista, el secreto está en presentar composiciones que no pueden recrearse artificialmente con tanto realismo, es un momento irrepetible que está por fuera de cualquier manipulación posible en la era del diseño gráfico y las imágenes digitales. “A veces pensamos que hemos visto todo. Pero hay que ver dónde estamos ubicados. Me conmueve que el público comparta los mismos sentimientos que yo siento cuando hago estas fotografías”, señala.

En los últimos tres años editó libros, abrió una galería con su nombre y vendió obra a importantes coleccionistas e instituciones de todo el mundo. Incluso lanzó una marca exclusiva de tablas de surf decoradas con sus imágenes. Little asegura que las cosas fueron dándose en sus propios tiempos; eso sí, reconoce que fue de a un paso por vez, intentando no tropezar en errores de atolondrado. Su mayor éxito -agrega- es no haberse quedado quieto por temor, aunque el mundo de la fotografía sea amplio y extenso prefirió arriesgar y perfeccionarse en movimiento.

Las imágenes hablan de aquellos que ya no están. Que desaparecieron. Que fueron desaparecidos durante la dictadura genocida que en 1976 se alzó con el poder político en Argentina. También hablan de los que quedaron. Hablan de lazos partidos. Son narraciones en dos planos. En una imagen hay tres personas, o dos. En la siguiente hay una sola, o ninguna. El mismo encuadre. Las mismas locaciones. Pero treinta años después de aquel atropello sistemático a los derechos humanos que se cobró la vida de 30.000 personas. El fotógrafo argentino Gustavo Germano es el autor de Ausencias, una muestra impactante que desde 2007 está recorriendo Latinoamérica y Europa. Él la define como un ejercicio de reflexión acerca de la temporalidad, como un umbral que acerca a los espectadores a un paralelo ilusorio, donde es posible tomar dimensión de lo que significa la desaparición de un ser.

La fuerza de Ausencias late en el concepto: hacer visible a quienes no están, mostrar un hueco congelado en la historia. Germano no se vale de mayores despliegues técnicos, tampoco se preocupa por ubicarse en primer plano como autor. Las imágenes vibran por su propia potencia. Tan sintéticas. Tan exactas. Eso es justamente lo que hace de la exposición una experiencia emocional que conmueve hasta las lágrimas.

El artista explica que la muestra es producto de una obsesión, tal vez la obsesión de todos los familiares de desaparecidos, y tiene que ver con el paso del tiempo, con el hecho de no haber podido verlos envejecer. Lo que intenta transmitir Ausencias es el tiempo que las víctimas de la represión no han vivido su vida, y el tiempo que los familiares vivieron sin disfrutar de su presencia. Germano es familiar de un desaparecido, cuando tenía once años secuestraron a Eduardo, su hermano, que en ese momento tenía 18. Diez años después comenzó a dar sus primeros pasos en la fotografía. Diez años después se le ocurrió la idea. Y casi diez años después pudo concretarla.

- ¿Por qué tardaste diez años?
- Sobre el final del menemato [Argentina 1989-1999] vi algunos trabajos, como el de Fernando Gutiérrez y el de Marcelo Brosky, que sirven como formas de ejercicio de la memoria, aunque desde el trabajo fotográfico las imágenes no lograban transmitir por sí solas sensaciones más profundas. Por el vértigo diario de la Argentina yo no podía encontrar la fibra sensible, no había estructura que ayudara al desarrollo del proyecto. Estando ahí me resultaba muy contaminante el ambiente y los intereses políticos.

- ¿Qué fue lo que cambió?
- En 2001 me vine a España, estuve yendo y viniendo el primer año. Recién hice pie acá en el 2003. En el 2005 tuve a mis hijos [los gemelos Pau y Manel] eso también fue un click, que me movilizó a pensar en la trascendencia, en la necesidad de decir quién era yo. No tenía ningún espacio donde militar, ahí resurgió el proyecto, entonces intenté conseguir otro financiamiento. A finales del 2005, ya con la puesta en marcha de los juicios en Argentina, y con una política muy fuerte en defensa de los derechos humanos, se había creado el marco necesario para que este proyecto se desarrolle. También conseguí financiamiento en España para hacer la exposición.

- ¿Cómo fue el trabajo con los familiares de desaparecidos?
- Los familiares siempre están dispuestos a hacer este tipo de cosas, todo lo que sea necesario para mantener viva la memoria. Eso es casi una ley. Lo que sí es verdad es que venían de muchos palos, manipulaciones, los juicios, la leyes de obediencia debida, los indultos. Por ejemplo, muchos prestaron fotos para otros proyectos y nunca se las devolvieron. Yo sé perfectamente lo que significa la imagen de un desaparecido, es la única imagen que te queda de un ser querido. Ellos tuvieron una gran confianza. También es verdad que en el desarrollo, en el momento de hacer la foto, teníamos que coordinar, elegir los lugares, los encuadres, en muchos casos los familiares no vivían en la ciudad de la foto original. Estuvimos muy metidos en esa vorágine de trabajo y no había mucho tiempo para ponerse a pensar. Pero cuando hacíamos las fotos era un silencio absoluto. Ahora que las fotos ya están hechas es más fácil explicar lo que queríamos hacer. La imagen por sí sola explica mejor que las palabras.

La producción de las imágenes fue realmente una experiencia intensa, Gustavo recuerda que durante las sesiones se vivieron momentos muy profundos. Por ejemplo en la reconstrucción de la fotografía del casamiento de Raúl María Caire y Luisa Inés Rodríguez. Gustavo pasaba los días compenetrado en las fotografías que iba capturando, casi sin atender otro asunto. Luisa es una mujer muy católica, al punto de conmoverse en las misas, cuando se entrevistó con el cura para pedirle que se sume al proyecto entró en razón de lo que iban a hacer. No pudo contener las emociones y rompió en llanto. Pasó el día llorando. Gustavo se enteró por teléfono de la reacción de Luisa. Al otro día tenían que hacer las tomas y casi no pudo dormir. Había pasado la noche llorando desconsoladamente. “Las emociones de todos estaban a flor de piel”, comenta.

- ¿Cómo elegiste la imágenes originales?
- Fue muy complejo. Fueron muchos elementos que se entrecruzaban. No tenía que ser una exposición que haga referencia únicamente a mi hermano, a Eduardo. La idea era transmitir el sentido colectivo de la tragedia. Entonces, la elección de los fotografiados tenía que ver con mostrar ese universo, que hubiese estudiantes, colimbas, abogados, maestros. Otro elemento era el vínculo de las personas que están en las fotos, por ejemplo los padres con sus hijos, hermanos, amigos. Dentro de estos elementos, también el hecho de la fotografía en sí misma, por ejemplo había que compensar los interiores con los exteriores, lo más difícil era conseguir fotos de exteriores. No fue fácil armar ese rompecabezas porque tenía fotos que estaban bien en la idea pero no estaban las personas que tenía que convocar. Fue un trabajo que llevó bastante tiempo. Fue trabajar con el material que fuimos encontrando, las fotos antiguas no las podés inventar, tuvimos que seleccionar dentro de lo que fuimos consiguiendo.

- Desde lo técnico, tus fotografías copian la imagen original, no agregan otro recurso. ¿Cómo trabajaste esa decisión?
- Fue un elemento importante de definir. En la prehistoria del proyecto se plantearon estas cuestiones, si había que hacer fotos con equipos de iluminación, montar todo un set para cada situación o si esto iba a alejar mucho la imagen actual de la original. Yo por formación fotoperiodística me movía mejor en la posibilidad de copiar la técnica de la foto original, por supuesto sin cometer los errores que arrastran, las fotos son caseras y muchas han sido reveladas de un modo muy precario, algunas están mal fijadas, tienen manchas, que es común en el revelado manual. Por ejemplo, si la foto original no tiene flash, la mía tampoco. Continúe la misma técnica pero con una calidad más homogénea. Por ejemplo, decidí que todas las fotos actuales fuesen en color, más allá de que las originales algunas fuesen en blanco y negro. El concepto fue señalar así la actualidad las nuevas fotos, que son una repetición. La técnica está supeditada al concepto. Hacer un desembarco de equipo no hubiera logrado conseguir esa intimidad entre el fotografiado y el fotógrafo, había que ganar un marco de complicidad. No es una gran producción fotográfica sino un acto de memoria, reivindicación y denuncia. Una pretensión excesivamente técnica hubiera perdido esta cuestión casera e intimista. Había que conseguir una continuidad.

- Ausencias tiene una carga emocional muy fuerte. El público reacciona inmediatamente frente a la imágenes. ¿Qué devolución tuviste de los espectadores?
- Te cuento una anécdota. Cuando comencé a moverme con la idea de Ausencias presenté el proyecto en Casa América Catalunya. Todavía no tenía ninguna foto. Ellos se interesaron, entonces fui a la Argentina en agosto del 2006 e hice un par de pruebas. A la directora adjunta, cuando le muestro las primeras imágenes, se le escapó una lágrima. Uno está tan metido adentro de su arte que no ve lo que ven los espectadores. Ella fue la primera que se enfrentó ante estas fotos. Ahí me di cuenta de que se trataba de un material altamente sensible. Lo que más me sorprende es la gente joven. He recibido, por ejemplo mails de una chica italiana de 18 años, que no sabe porqué pero le interesa el tema y me habla de una emoción que es sorprendente. En Madrid lo mismo, gente que salía llorando de la muestra. Son fotos que generan mucha empatía porque podrían ser fotos de cualquiera.

- Lo que es increíble es que funcione tanto en Argentina como en cualquier otro país…
- Sí, es cierto. El punto es que es un trabajo que no necesita explicación, no hay que traducirlo a ningún idioma. Ese es el comienzo. En Italia y en Suiza la reacción ha sido más o menos la misma. Si tiene un mérito es que no necesita una decodificación, ni en el arte ni en palabras, porque parte desde las emociones. El link lo hace la gente frente a las imágenes.

- Un punto muy fuerte de la muestra es también el diseño gráfico, muy ajustado al concepto. ¿Cómo se dio ese trabajo?
- El diseño gráfico lo hizo Vanina De Monte, entrerriana, que es mi mujer y la madre de mis hijos. Ella no tiene una relación directa con la temática como en mi caso, pero creo que el resultado de lo que hizo es de una gran capacidad de compenetración y compromiso con el proyecto. Y muy profesional, porque le da una marca propia a la exposición pero no pretende sustentarse por sí sola. El diseño está en su función y no en el sustento en sí mismo. Esta síntesis que logró quitando el palo de la i es tan sencillo como el artilugio o el recurso de volver a hacer la foto sin la persona desaparecida. Está emparentada a lo simple, a lo sencillo, está en armonía con el proyecto. Ella venía trabajando el paralelo con las fotos, en el reencuadre, y se fue metiendo en el proyecto hasta que dio con este recurso.

- Me enteré que te llamaron de Brasil para hacer el mismo trabajo, obviamente con los desaparecidos de allá. ¿Cómo vas a encarar esa propuesta?
- Es cierto, hay una propuesta para hacer el mismo trabajo en Brasil. Posiblemente las fotos se hagan en junio o en agosto. Estamos recolectando imágenes e historia, para saber cuáles se hacen. El proyecto está aprobado y el dinero otorgado a una productora de San Pablo. Esto se enmarca dentro de la idea de poder trabajar el tema de los desaparecidos, que funcionen solas o en conjunto con otras. La intención es ir también hacia Chile, Uruguay y Paraguay. Queremos ir avanzando por Latinoamérica en los próximos años.

El recorrido de Ausencias

La muestra se encuentra expuesta en Mar del Plata, desde el 22 de marzo, en el Teatro Auditorium. A principios de mayo se trasladará a Buenos Aires. Después visitará la ciudad de Pelotas, Brasil. Paralelamente hay una serie con las mismas imágenes que está girando por Italia. Entre 2007 y 2011 ya recorrió España, Suiza y Alemania entre otros países europeos. “La gira continúa. Es una muestra que nunca está quieta”, dice el fotógrafo.

Fotografías: Andrea Carboni
(excepto las originales de Ausencias)

El evento, celebrado en el recinto firal de Gran Vía de Barcelona ha reunido a un total de 80000 visitantes entre profesionales, aficionados y curiosos que asistieron a ver de primera mano las últimas novedades y tendencias del sector.

Visita imprescindible

Fue mi primera visita al Sonimagfoto & Multimedia y tras unos primeros pasos el evento me capturó de inmediato. No en vano habían acudido unas 200 marcas entre fotografía, artes gráficas, electrónica de consumo e informática con un buen abanico de novedades que harían perder la compostura al fotógrafo más templado por lo que la diversión estaba asegurada  en cada visita a uno de los estands, las diversas aulas , talleres y actividades que poblaban el salón. En este aspecto y dada la situación actual de crisis, la cual, ya no es ninguna noticia doy la enhorabuena a la organización pues el Sonimagfoto & Multimedia me pareció una experiencia imprescindible para todo aficionado, profesional o amante de la fotografía. Y no hablo solo por las novedades, el buen ambiente y camaradería se respiraba en el recinto, siendo fácil intercambiar valiosas opiniones y experiencias con numerosos profesionales y aficionados del extenso catálogo de campos que abarca la fotografía tradicional y digital.

Si bien en la celebración del Sonimagfoto & Multimedia existían varias alternativas para las mentes inquietas nadie podía ignorar las novedades y maquetas de algunos objetivos y cámaras más esperados para este año. Fujifilm golpeó de pleno con la presentación de la nueva FinePix X100, siendo su estand y su nuevo modelo uno de los que más atraía las miradas y presencia de los visitantes, ansiosos por comprobar la amplitud y luminosidad de su nuevo y primer visor híbrido del mundo, el cual tuve la ocasión de probar y constatar que es de primer nivel. Nikon, Samsung, Pentax y Panasonic también tuvieron una fuerte presencia, aunque no todas de forma directa sino a través de mayoristas o tiendas especializadas. En el estand de Nikon se podía probar de primera mano cámaras de la talla de la D90 y por supuesto de la ansiada D7000, mientras que a unos pocos metros algunos afortunados probaban in situ la impresionante cámara de formato medio Pentax 645D. Esta última solo pude empuñarla  por unos instantes pero la ergonomía dado su tamaño, tacto y la calidad del visor me parecieron de otra galaxia. Entre foto y foto tuve la ocasión de examinar las nuevas cámaras Micro Cuatro Tercios GH2 y GF2 de Panasonic mientras me enzarbaba en un debate sobre las limitaciones del tamaño de su sensor. Ambos modelos me sorprendieron gratamente, especialmente la pequeña y estilizada GF2, un prodigio de miniaturización en estado puro.

Algunos fabricantes y vendedores, que son muy pícaros, pusieron a un ejército de chicas guapas para atender a los visitantes y mostrarles las novedades. Entre muchos, Samsung fue uno de ellos, aunque no le hacía ninguna falta pues la presencia de su serie NX de cámaras sin espejo o EVIL  junto a la nueva NX11 eran motivo más que suficiente para dejarse llevar por la tentación. Un primer contacto con la nueva X11 tras probar las NX10 y NX100 me constató que la marca había hecho los deberes en el renuevo de su primer modelo NX y que Samsung apuesta fuerte por su sistema sin espejo. Tras despedirme de las chicas y robarles una foto con la nueva NX11 me adentré de nuevo en el salón en busca de nuevos apetitos. Trípodes, impresoras, papel, libros, monitores son solo unos ejemplos de la enorme variedad de material fotográfico al que podíamos acceder en el Sonimag.

Tras el Sonimagfoto & Multimedia los rumores se vuelven novedades y las novedades tendencias. La tecnología 3D ha tenido una presencia muy fuerte, no solo por cámaras equipadas con esta tecnología sino también con nuevos monitores LCD, copias impresas o marcos digitales, lo cual está abriendo un enorme abánico de posibilidades artísticas y profesionales. Por parte de las cámaras de concepto EVIL o mirrorless no parece haber mucho movimiento por parte de las firmas implicadas, siendo los estands de Panasonic y el de Samyang los más interesantes en este aspecto. Samyang mostró en vitrina una maqueta del nuevo y compacto ojo de pez 7.5mm f3.5 para el sistema Micro Cuatro Tercios o MFT pero no ha habido noticias ni maquetas de los nuevos sistemas sin espejo de las marcas Nikon y Pentax. Sony, por su parte, sigue fiel a su filosofía de utilizar espejos translucidos en sus cámaras réflex o ahora más conocidas como SLT aunque tampoco ahorraron esfuerzos en mostrar todo su arsenal de la serie Alpha y NEX acaparando buena parte de la atención de los visitantes.

Esta fotografía esta muy viva

Se dice que el Sonimagfoto es un evento en extinción y que la falta de presencia de las grandes firmas no está al nivel de un salón internacional . Yo, personalmente me niego a creer y apoyar esta afirmación. Pese a las dificultades del sector, un nuevo emplazamiento con menos espacio y la falta de presencia de firmas importantes la organización ha conseguido tirar adelante un excelente meeting y punto de encuentro para aficionados y profesionales. Con una buena variedad de novedades, talleres, aulas y conferencias y con un exquisito broche de oro en forma de exposición de las 80 fotografías en color de el gran Joam Colom, mostradas al público por primera vez y en exclusiva.Una vez asistas no podrás resistirte a volver y sumergirte de nuevo en el mundo de fotografía que ofrece Sonimagfoto & Multimedia.

Imatoria es un nuevo proyecto que quiere acercarnos a concursos fotográficos con un enfoque diferente al que estamos acostumbrados. La mayoría de concursos fotográficos son de tema libre o temáticos pero muy delimitados. Imatoria apuesta por otro tipo de concursos fotográficos temáticos para profesionales y aficionados, en los que nos se demuestre la diversidad de visiones y diferentes formas en que las personas pueden encarar un mismo tema, dependiendo de su cultura, país e ideales, expresándose mediante un idioma universal, la imagen, la fotografía. Una buena oportunidad para ver de cuántas maneras diferentes la gente puede interpretar un mismo concepto.

Así es como se presenta Imatoria y espero que pronto tenga gran cantidad de fotos y participantes para disfrutar de este nuevo concepto en relación a los concursos de fotografía. De momento ya han lanzado su primer concurso. Se llama Templos del s.XXI y proponen a los participantes que muestren en sus fotografías lo que para ellos es un templo hoy en día, sin que éste sea necesariamente un edificio, sino que puede ser una ciudad, un sentimiento, una idea… Para más información consultad las bases del concurso.

Además del atractivo que representa participar en un concurso fotográfico y, al menos desde mi punto de vista, más por la connotación sociológica que presenta éste, también hay premios. Quien de vosotros se anime a participar tendrá la oportunidad de ganar premios en metálico y ver su trabajo publicado en galerías de arte y en el libro conmemorativo del concurso. Concretamente estaríamos hablando de los siguientes premios:

1º Premio: 1000€ + 1 ejemplar del libro conmemorativo del concurso publicado por la editorial Bubok + Presencia en las diversas exposiciones que se realizarán sobre el concurso (detalladas más adelante) + Publicación en diversos medios digitales + Beneficios obtenidos de la venta de sus imágenes en las exposiciones mencionadas.

2º Premio: 500€ + 1 ejemplar del libro conmemorativo del concurso publicado por la editorial Bubok + Presencia en las diversas exposiciones que se realizarán sobre el concurso (detalladas más adelante) + Publicación en diversos medios digitales + Beneficios obtenidos de la venta de sus imágenes en las exposiciones mencionadas.

3º Premio: 200€ + 1 ejemplar del libro conmemorativo del concurso publicado por la editorial Bubok + Presencia en las diversas exposiciones que se realizarán sobre el concurso (detalladas más adelante) + Publicación en diversos medios digitales + Beneficios obtenidos de la venta de sus imágenes en las exposiciones mencionadas.

10 Menciones en categoría general: Aparición en el libro conmemorativo del concurso publicado por la editorial Bubok + Presencia en las diversas exposiciones que se realizarán sobre el concurso (detalladas más adelante) + Publicación en diversos medios digitales + Beneficios obtenidos de la venta de sus imágenes en las exposiciones mencionadas.

10 Menciones en categoría “calidad técnica”: Aparición en el libro conmemorativo del concurso publicado por la editorial Bubok + Presencia en las diversas exposiciones que se realizarán sobre el concurso (detalladas más adelante) + Publicación en diversos medios digitales + Beneficios obtenidos de la venta de sus imágenes en las exposiciones mencionadas.

10 Menciones en categoría “concepto”: Aparición en el libro conmemorativo del concurso publicado por la editorial Bubok + Presencia en las diversas exposiciones que se realizarán sobre el concurso (detalladas más adelante) + Publicación en diversos medios digitales + Beneficios obtenidos de la venta de sus imágenes en las exposiciones mencionadas.

Como veis hay mucho que ganar y poco que perder. Pero como siempre digo, lo importante es participar y me parece un concurso interesante. Un concurso fotográfico que va más allá de la fotografía en si. También importa el concepto, la visión, la originalidad, la creatividad…e incluso la postproducción (que está permitida).

Y ya tienen pensado el próximo concurso, por si queréis empezar a inspiraros. El tema del próximo concurso es “Artistas en la calle”.

¿Ya estáis dándole vueltas a vuestro templo del siglo XXI? Tanto si os animáis a participar con vuestras fotos en este concurso como no, os animo a que empecemos un intercambio de ideas mediante los comentarios a este post. ¿Cuál es para ti el templo del siglo XXI?

Este próximo domingo, día 25 de abril de 2010, se celebra el Día Mundial de la Fotografía Estenopeica o Pinhole, del que ya os hemos hablado en sus anteriores ediciones: Día Mundial de la Fotografía Estenopeica 2008 y la edición del 2009 también. Un gran día para todos los aficionados a esta técnica fotográfica que nos remonta varios años atrás para entender la fotografía desde sus inicios.

Para los que no conozcáis esta técnica fotográfica, como ya os hemos explicado antes en Pixelicia en el post “Fotografía Pinhole: capturas sin lentes“, se trata de una de las técnicas fotográficas más antiguas y consiste en obtener fotografías y negativos sin prácticamente nada de equipo o, mejor dicho, con un equipo bastante rudimentario y simple, nada de cámaras digitales de última tecnología, reflex y demás… Las cámaras estenopeicas o pinhole se componen simplemente de una película fotográfica y una lámina opaca con un agujero muy pequeño, aproximadamente del diámetro de una aguja (de ahí su nombre en inglés).

Aunque como decía se trata de una técnica fotográfica muy antigua, hay muchos fotógrafos aficionados y profesionales que suelen utilizarla para hacer fotografías, tanto hasta el punto que ha pasado de ser una mera técnica fotográfica para convertirse casi en una forma de arte. Por esto y por la importancia de la misma, desde hace ya 10 años, el último domingo de cada mes de abril se celebra el Día Mundial de la Fotografía Estenopeica.

En la web Pinhole Day encontramos los diferentes eventos que tendrán lugar alrededor de este día y de la fotografía estenopeica o fotografía pinhole. Además, nos proponen hacer una foto estenopeica el próximo 25 de abril y que la subamos a la web, así pasará a formar parte de la galería del Día Mundial de la Fotografía Estenopeica, que ya incluye muchas fotos de ediciones anteriores y que podemos ver en la web. La verdad es que hay fotografías preciosas, vale la pena echarle un vistazo.

Si os ha llamado la atención y os ha entrado la curiosidad por probar esta técnica fotográfica, tenemos varias opciones para hacernos con una cámara estenopeica que es lo único que necesitamos. Podemos fabricarla nosotros mismos, como decía antes se trata de un equipo muy simple con lo que no es muy complicado ya sea partiendo desde cero y utilizando cajas de cartón y latas de alimentos o trampeando un poquito y modificar equipos profesionales como las cámaras réflex sustituyendo las lentes por placas con un estenopo, como os explicábamos en un post anterior. Si os animáis a hacer por el método rudimentario, podéis ver el vídeo que he subido a nuestro canal TV de Pixelicia sobre Cómo construir una cámara estenopeica o cámara pinhole. En este caso podemos ver cómo fabricar la cámara pinhole con una caja de cartón, aunque también es posible hacerlo con una lata.

Pero para los más cómodos o menos manitas, también podemos comprar cámaras estenopeicas o pinhole ya hechas. Por ejemplo, en Curiosite tenemos varias opciones cuyos precios oscilan desde los 12,85 € a los 19,85 €. La verdad es que no son nada caras, aunque muchos preferirán hacerla con sus propias manos.

Os animo a que lo probéis y por qué no a que compartáis con nosotros vuestras fotografías. ¿Celebramos el Día Mundial de la Fotografía Estenopeica en Pixelica? Si os animáis a enviarnos vuestras fotos hacemos luego una galería o post recopilándolas, nos haría ilusión. ¿Alguien se apunta?

Quienes gustan de las fotografías inéditas y personales sin dudas no pueden perderse de la Hahnemühle Anniversary Collection’s 2010, una muestra fotográfica itinerante que recorre las capitales más importantes del mundo para mostrar instantáneas únicas que han sido capturadas por diversos fotógrafos del mundo.

Este evento nació a partir del concurso Anniversary Photo Awards, organizado por la firma Hahnemühle hace tiempo cuando la empresa buscaba una competencia a través de la cual los fotógrafos mostraran su visión personal y única de las personas, los objetos y las atmósferas desde las perspectivas más originales posibles. Así fue como bajo la temática “para originales” nació este concurso que luego cobró dimensión y se transformó en una importante muestra.

La exposición comenzará en Sydney el próximo 10 de febrero y seguirá por Beijing, Berlín,Toronto, París, Londres, Nueva York, hong Kong y el próximo Photokina de Colonia, donde entre el 21 y 26 de septiembre de 2010 se exhibirán a las fotografías ganadoras.

Vía: Photography Blog

Este proyecto es tan interesante que ha recorrido buena parte del mundo. Su artífice es el fotógrafo estadounidense Henry Horenstein y este hombre ha realizado un minucioso trabajo a lo largo de los últimos 15 años recorriendo zoológicos y acuarios de todo el mundo para rescatar hermosas fotografías.

Luego armó un libro dedicado a la fotografía animal y más tarde transformó a esta publicación en una muestra itinerante que recorrió diversos puntos del mapa mundial.

Bajo el nombre de Animalia, la exposición reúne gigantografías que se exponen al aire libre en diferentes lugares. Monos, hormigas, delfines, ballenas, cerdos, dragones y otros animales se pueden apreciar en grandes dimensiones y ese tamaño influye en forma directa en el ojo del espectador.

En estos días la exposición se encuentra en Buenos Aires, donde permanecerá hasta el mes de noviembre para partir hacia otro destino y sorprender a una nueva nación.

Vía: Revista Ñ

n nuevo concurso fotográfico se asoma y esta vez es Panasonic quien, repitiendo la experiencia de otros años, ha anunciado la octava edición del Lumix Award digital competition, una competencia on-line dedicada a la fotografía digital.

El concurso estará vigente hasta el próximo 30 de abril de 2010 y la consigna de esta edición es “Visualizar la música”. Así es como quienes estén interesados en participar, deberán enviar fotografías digitales que remitan a esta temática una vez por mes.

La idea es que las imágenes capturen el momento en el que la música impacta los sentidos visuales y el ganador de la mejor foto de cada mes será premiado con una Lumix DMC-ZX1.

Eso no es todo, el ganador global de la competencia se llevará una Lumix DMC-GF1 y unos boletos para ver a Blue Man Group.

Vía: Photography Blog

El World Press Photo es uno de los concursos fotográficos más prestigiosos del mundo, un evento que congrega a fotógrafos profesionales y amateur para mostrar sus mejores trabajos en una plataforma que, saben, tiene fama mundial.

Por lo general, luego de que se produce una edición del concurso las fotografías más relevantes conforman una muestra fotográfica que es exhibida en diferentes lugares del mundo.

Ese es el caso de la exposición que abrirá sus puertas el próximo 23 de octubre en la Sala Espacio Ciudad de Vitoria (San Prudencio, 30 – Vitoria). Esta muestra exhibirá un conjunto de fotografías que formaron parte del World Press Photo of the year 2008 y permite ver de cerca los trabajos más importantes de dicha edición.

La muestra comenzó en el mes de mayo en Ámsterdam y hace su parada en Vitoria para seguir con el itinerario que recorre más de 100 ciudades de 45 países. La exposición estará vigente hasta el 9 de diciembre.

Vía: World Press Photo

El Campeonato Mundial Red Bull Air Race es una competencia que se celebra cada año en Barcelona y no estaríamos hablando de ella sino fuera porque junto a este evento de envergadura se organiza el I Red Bull Air Race Photo Contest, un concurso de fotografía que nace de la mano de la carrera e invita a participar a todos aquéllos interesados en la imagen.

El mismo se realiza en sintonía con el campeonato, que será este fin de semana del 3 y 4 de octubre y es por eso que los interesados deberán inscribirse en la página del concurso para luego subir la imagen seleccionada al grupo de Flickr que se ha creado con motivo del evento. Luego las fotos serán examinadas y el ganador recibirá un viaje a uno de los destinos del Red Bull Air Race 2010 alrededor del mundo con todo pago.
Así que bien, este fin de semana os espera una gran aventura en Barcelona. Y si estáis con suerte tal vez puedan incluso viajar a lugares fabulosos de la mano de esta competencia.

Vía: I Red Bull Air Race Photo Contest

Una vez más, un concurso fotográfico se asoma en el horizonte y en esta ocasión hablamos de Imágenes de Torrelavit, una competencia que ya va por su tercera edición y ha sido organizado por el Ayuntamiento de Torrelavit.

La fecha establecida para el evento es el próximo 18 de octubre, día en el que podréis participar de esta maratón fotográfica destinada a todos los fotógrafos del país y al público en general.

¿De qué se trata la competencia? Al igual que en las ediciones anteriores, los participantes deberán pasear por las calles de Torrelavit para así tomar un conjunto de instantáneas relacionadas con tres temáticas pensadas por la organización.

En esta edición, en lugar de las 12 fotografías que se permitían hasta ahora cada participante deberá tomar la cantidad de tomas que deseee para luego entregar una fotografía para cada uno de los tres temas de concurso. Estas temáticas por ahora permanecen en suspenso y sólo se conocerán el día de la inscripción, que a su vez coincide con el día del evento.

Para más información podéis ingresar a éste enlace.

Vía: Nikonistas

Un nuevo concurso de fotografía está en acción y se trata de la Vall de Comprodón, una competencia que va por su VII edición y busca destacar fotográficamente los valores del mundo natural, cultural y social de este Valle.

Los interesados pueden presentar sus trabajos hasta el próximo 15 de noviembre y las fotografías deben seguir determinados lineamientos. Es así como sólo se pueden presentar fotos en un máximo de 30X40 y de un mínimo de 20X30, en color o blanco y negro.

Los participantes deben incluir una de las tres categorías en la que se desea concursar: paisajes, seres vivos, o sociedad. Las imágenes serán evaluadas por un jurado conformado por personalidades vinculadas a la fotografía y  la Vall de Camprodon.

Si hablamos de premios los concursantes podrán elegir entre una cámara Nikon D5000 con un objetivo 18-55mm, una cámara Nikon D60 con un objetivo18-55mm, tres cámaras Nikon Coolpix P3, tres premios de 150€ o tres cenas para dos personas en tres restaurantes miembros de la asociación Cocinas de la Vall de Camprodón

Vía: Nikonistas

El Museo Nacional d´Art de Catalunya se encuentra realizando una interesante muestra fotográfica que aborda los trabajos de Robert Capa y Gerda Taro, una pareja de fotógrafos que se ocuparon de registrar los conflictos bélicos de las décadas del ´30 y del ’40.

La exposición estará vigente hasta el próximo 27 de septiembre e invita a conocer el mundo de Robert Capa, uno de los fotógrafos más sobresalientes del siglo XX. A las numerosas fotos que conforman la exposición hay que sumar sus manuscritos, libros y revistas, testigos de su profesionalismo y pasión. No hay que olvidar que Capa es el autor de obras célebres como Muerte de un miliciano republica y La batalla del rio Segre.

En cuanto a Gerda Taro, es una fotoperiodista que también fue la primera mujer corresponsal de guerra. Su trabajo transcurrió a la sombra de Capa y su temprana muerte ocurrida a los 26 años de edad y cuando fue arrollada por un tanque no ayudó a que fuera recordada a lo largo del tiempo sin embargo también se ocupó de los conflictos bélicos, en especial a la Guerra Civil española.

Vía:Nikonistas

No sólo puede ser considerada como una expresión artística sino también como un medio útil para dar cuenta del paso del tiempo y sus consecuencias. Eso es lo que ha pensado el fotógrafo de naturaleza José B. Ruiz cuando dio origen a su proyecto S.O.S. Paisaje de Mar, una iniciativa que busca analizar el estado actual de la costa española, para así “identificar el estado de conservación de las diferentes áreas y poner en valor la urgente necesidad de proteger los lugares de mayor valor ecológico y paisajístico.”

Este proyecto se da en un momento perfecto y luego de que un informe de Greenpeace alertara sobre el creciente deterioro de las costas españolas protegidas. En este caso la fotografía es el vehículo más eficaz para dar cuenta del estado de las costas y es por eso que cualquier persona puede enviar fotos para así dar a conocer los entornos dañados y amenzados.

Coincidiendo con lo explicado en el informe de la organización ecologista, el proyecto afirma que cerca del 50% de la superficie del litorial de la Comunidad Valenciana ya está destruido y es por eso que mediante esta iniciativa se pretende mejorar las condiciones y concienciar a la comunidad.

Los interesados pueden enviar las fotos a través de la página web del proyecto.

Vía: S.O.S Paisaje de mar